Vendita vinili in crescita esponenziale così come lo streaming. CD e download in calo.

Si è già parlato di fine della crisi della discografica e sicuramente una delle caratteristiche più interessanti di questo periodo storico è il ritorno in auge del vinile. Tutto è iniziato con l’hipster-mania, la quale ha dato il via alla moda vintage e successivamente tutti i settori dell’arte sono stati coinvolti da questo movimento. Per quanto riguarda la musica, sono state riprese sonorità come il funky o come i sintetizzatori old-style, adattando tutto questo alla modernità. Ma è proprio il concetto di “vecchio stile” a non essere più così corretto, perché la tecnologia moderna sta fondendo tutto creando qualcosa di innovativo, all’avanguardia.

Così arriviamo al vinile, che è in crescita esponenziale insieme ai servizi di streaming. Guardando alcuni dati di vendita degli LP negli Stati Uniti si è passati dai 4 milioni di pezzi venduti nel 2011 ai 13 milioni del 2014, mentre in Italia, nei primi sei mesi del 2016, si è registrato un +43% rispetto allo stesso periodo dell’anno precedente. Non solo, altre statistiche evidenziano come lo streaming abbia segnato un +30%, accompagnato da un +40% di incremento dei ricavi dagli abbonamenti, mentre il segmento fisico (che nel 2015 aveva dato segnali di ripresa) è sceso dell’8% così come il download, che ha perso il 24%. Lo streaming e il vinile, secondo FIMI, viaggiano sempre più in parallelo: «I consumi sono ormai sensibilmente cambiati con i fan che si muovono spesso integrando modelli di accesso e fruizione musicali differenti. Pensiamo ad esempio, alla diffusione dello streaming e del vinile tra i teenager: capaci di una dieta musicale che coniuga allo stesso tempo l’ascolto compulsivo di brani su servizi online, con l’acquisto di una versione limitata ed esclusiva del vinile».

È il semplice e puro collezionismo a far preferire di netto la copia in vinile rispetto al cd, talvolta senza ascoltarne il contenuto, perché già fruito in streaming.

Al fronte di un report fornito dalla Entertainment Retailers Association in cui, nella prima settimana di dicembre 2016, le vendite del vinile in Gran Bretagna hanno superato quelle dei download digitali (2.4 milioni di sterline contro i 2.1 milioni del digitale), la tecnologia si sta attrezzando per stampare al meglio più copie possibili. In Canada  è stata progettata e prodotta, per la prima volta da cinquant’anni,  una nuova macchina per la stampa di dischi, con sensori e materiali di avanguardia. Si chiama “WarmTone” di Viryl Technologies, 4mila dischi al giorno (quasi un milione e mezzo di pezzi all’anno su una sola linea) con una precisione che sarebbe stata inimmaginabile un tempo.

Vinile e streaming, questo sembra essere il futuro della musica. Chissà se Martin Scorsese e Mick Jagger, con “Vinyl”, avevano già capito tutto.

Nuovi dischi, nuovi artisti, tanti concerti. Stiamo andando verso una nuova età d’oro?

Spesso si legge di quando i dischi si vendevano, le radio trasmettevano nuova musica, nascevano sempre nuovi artisti promossi dalle etichette e le persone andavano a sentire i concerti. Ma perché usare l’imperfetto per descrivere questa situazione? La crisi della discografia è finita, sono già stati scritti alcuni articoli a proposito, e a confermarlo sono i dati dell’International Federation of the Phonographic Industry (IFPI), che evidenziano quanto il business della musica sia cresciuto nel 2015 e nel 2016. Per capirci meglio, raramente vi sono stati dati così positivi dal 1977, anno in cui questo organo ha iniziato a monitorare il mercato musicale.

Certo, non si vendono più milioni di copie fisiche (almeno in Italia), ma il mondo è completamente cambiato, la tecnologia non è più la stessa, persino registrare un disco non costa più come negli anni ‘70/’80.

In più, ad oggi, non c’è più il negozio di dischi come unico venditore del prodotto, ci sono tanti e differenti digital store, dove si può comprare la copia fisica e digitale. C’è lo streaming, c’è Youtube, c’è la possibilità di guadagnare dalle pubblicità e dai click del proprio video musicali. Risolvendo la problematica del value gap aumenterebbero ancora di più le possibilità di guadagno online. Non dimentichiamoci dei talent, dei Festival nazionali e internazionali di musica e del ritorno in auge del vinile. E Mtv? Anche se non presente sul digitale terreste, è stata in parte soppiantata dalla radiovisione e attenzione a VH1, canale 67 del DTT, che passo dopo passo si sta avvicinando proprio allo storico modello della televisione musicale. Chissà se torneranno in voga i VJ e se il giornalismo musicale, da sempre creativo, riuscirà a sopravvivere rispetto al giornalismo classico, insediato dalla possibilità di bot intelligenti per la redazione delle notizie di cronaca.

La discografia major ha gli artisti più solidi e intelligentemente ha capito che può sfruttare le proprie risorse per gestire la distribuzione degli artisti delle etichette indipendenti. La scena indie è sempre più florida di nuovi artisti, le piccole etichette vanno alla scoperta di nuovi talenti e il movimento dei giovani emergenti è sempre più forte.

Se stavate rimpiangendo un periodo storico, potete anche fermarvi di farlo. Questi anni, molto probabilmente, saranno quelli che citeremo in una prossima, eventuale e lontana crisi della discografia. Godiamoci quello che abbiamo e che verrà, avremo molto da ascoltare.

Stop ai biglietti con prezzi inarrivabili. Ecco alcune soluzioni per poter ovviare al problema del secondary ticketing.

Il secondary ticketing è il cosiddetto bagarinaggio online di biglietti dei concerti su siti e circuiti non ufficiali, un “male” legalizzato che in molti stanno cercando di debellare dal mondo della musica. Sono stati scritti molti articoli a proposito, una delle ultime notizie è che la Barley Arts di Claudio Trotta, tra i pionieri in questa lotta, ha annunciato il grande successo dell’introduzione del biglietto nominale sui circuiti ufficiali di vendita Ticketone e Vivaticket in occasione del concerto dei Queen del 10 novembre all’Unipol Arena di Casalecchio di Reno (Bologna). Questo grande passo avanti ha sconfitto quasi totalmente le concorrenti scorrette. Ma quali possono essere alcune possibili future soluzioni? Ecco i consigli di Musica361.

Posto il biglietto nominativo venduto come accade canonicamente, i circuiti ufficiali potrebbero:

1. Chiedere agli utenti di ufficializzare l’acquisto tramite una conferma definitiva richiesta entro una quindicina di giorni dal concerto, in modo da riaprire un’ultima sessione di vendita nel caso di disponibilità di alcuni posti. Coloro i quali non dovessero confermare (restituendo il biglietto acquistato) avrebbero indietro i soldi spesi, tolta una piccola percentuale di “penale” per le operazioni di rivendita. Questa soluzione permetterebbe di avere una stima concreta dei partecipanti e gli acquirenti dovrebbero passare per forza da circuiti ufficiali per la rivendita dei biglietti.
2. Aprire un portale online interno completamente dedicato alla rivendita dei biglietti. Dentro al portale nessun utente avrebbe la possibilità di guadagnare dalla vendita del titolo acquistato, ma il tutto servirebbe soltanto per riavere indietro la somma spesa facendo acquistare il proprio biglietto da un altro utente, fino ad un giorno prima del concerto. Ovviamente, nel caso in cui questo non accadesse, non vi sarebbe altra possibilità di rivendita, poiché il biglietto avrebbe il nominativo dell’acquirente. Per coloro che avessero comprato i biglietti offline, ogni negozio ufficiale si potrebbe occupare dell’assistenza al cliente nella messa online dei propri biglietti da rivendere.
3. Queste due soluzioni potrebbero cambiare completamente il business dei biglietti, eliminare le concorrenze sleali, garantendo al cliente fiducia e affidabilità da parte dei circuiti ufficiali di vendita.

Da circa due anni lo streaming musicale è nelle classifiche dei singoli e contribuisce alle certificazioni FIMI.

A volte mi accorgo di essere maniacale sui dettagli musicali, tanto che mi capita anche con gli amici di provare entusiasmo per qualcosa che effettivamente incuriosisce soltanto me. Ad esempio, quest’estate c’è stato il boom di “Andiamo a comandare”, che ovviamente ho seguito con molta curiosità. Quando Rovazzi ha vinto il Disco d’oro grazie allo streaming, ho parlato dell’argomento con qualche amico, sia per il gran caso mediatico che aveva suscitato questa canzone, sia perché in Italia sia parlava finalmente di un premio per gli ascolti in streaming e, tra le tante risposte, similari a un: “E quindi?”, qualcuno mi ha chiesto cosa fosse il Disco d’oro.

In effetti, se una persona non è strettamente interessata alla musica, il Disco d’oro e il Disco di platino possono essere due nomine casuali, mentre invece sono davvero importanti, soprattutto oggi che di dischi se ne vendono pochi.

Il Disco d’oro e il Disco di platino sono due certificazioni della FIMI (Federazione Industria Musicale Italiana) e per averle è necessario vendere un certo numero di copie. La stima cambia per ogni nazione. In Italia un album è certificato oro se vende almeno 25.000 copie, platino con 50.000. In USA, ad esempio, i numeri sono molto diversi, 500.000 per l’oro e 1.000.000 per il platino, a causa della differenza del bacino di utenza che ha la musica nei diversi paesi. Ma tornando all’Italia, guardando le stime di queste importanti certificazioni, è incredibile come, su sessanta milioni di cittadini, con “sole” trenta mila copie (comprendendo i profitti online) si possa raggiungere un traguardo del genere, sintomo di quanto si siano ridotte le vendite.

A tal proposito, grazie all’avvento dello streaming, negli ultimi due anni i dati degli ascolti sui singoli servizi gratuiti e a pagamento sono entrati nelle classifiche di vendita dei singoli, con un fattore di conversione di 100 stream per 1 download per rendere compatibili i due modelli di business (Fonte: FIMI).

La questione è molto importante, perché lo streaming, che teoricamente dovrebbe rispecchiare la meritocrazia musicale, diventa un fattore fondamentale nelle certificazioni oro e platino, un grande punto di partenza che permette ad artisti emergenti di avere maggior respiro di prima e ad artisti molto seguiti di avere la considerazione che meritano. Sembra esserci stato un passo avanti soprattutto nei confronti degli artigiani della musica, con un’attenzione che relaziona direttamente ascoltatore e artista. I risultati si vedranno negli anni.

La digitalizzazione musicale ha portato maggior fruizione del prodotto, ma ricavi differenti. A causa del value gap pare che molte canzoni non beneficino dei propri diritti.

Da quando il digital è entrato a far parte dell’industria musicale, i ricavi sono cambiati notevolmente. Il primo rovescio della medaglia della digitalizzazione è stata la pirateria informatica, la quale ha iniziato un percorso parallelo alla canonica fruizione del prodotto discografico.

Nel concetto di pirateria è implicita la domanda: “Perché devo pagare se posso averlo gratuitamente?”, l’unica risposta plausibile la si può trovare nell’etica. Come non è eticamente corretto evitare di pagare un muratore che ha costruito una casa, allo stesso modo non è giusto snobbare il lavoro di un artista e di tutti i suoi collaboratori.

In tutto questo, c’è da dire che la pirateria è sempre stata vista come un gesto consapevole dell’utente, che decideva di scaricare una traccia senza passare da iTunes. Poi è nato Youtube e il mercato è cambiato ancora di più. Le vendite dei CD si sono abbassate, ma l’ascolto della musica è paradossalmente aumentato. Questo perché Youtube ha dato vita ai “Creator”, i creatori di contenuti, utenti che possono intrattenerne altri gratuitamente e in qualsiasi modo. A tal proposito, tra video di gattini e cover musicali, hanno preso vita i “Lyrics Video”, canzoni con il proprio testo riproposto in formato video, in puro stile karaoke. Questa è stata la vera rivoluzione, perché, rispetto alla pirateria, tutto questo era legale (e lo è ancora).

Arriviamo ad oggi, 2017, epoca in cui si ascolta musica in ogni modo e maniera, tanto che dal 2015 i ricavi della musica digitale hanno superato quelli del mercato fisico. Tra streaming e video si è sollevata una questione molto delicata in materia di business musicale: il value gap. In breve, il mercato discografico trova sconveniente che alcuni utenti, su piattaforme come Youtube, abbiano caricato canzoni da cui non arrivano introiti, mentre alla piattaforma proprietaria arrivano eccome. Quindi, secondo l’industria, Youtube incasserebbe tramite la pubblicità e le visualizzazioni, destinando un somma di denaro inferiore (o nulla) a chi detiene i diritti del creato.

Per combattere questa “discriminazione remunerativa” molti artisti hanno firmato e inviato una lettera alla Commissione UE, tra questi vi sono i Coldplay, gli Abba, Lady Gaga, Duran Duran, Ed Sheeran, i Maroon 5, Bruno Mars, Christina Aguilera e tanti artisti italiani tra cui Zucchero, J-Ax, Annalisa, Biagio Antonacci, Daniele Silvestri, Fedez, Federico Zampaglione, Fiorella Mannoia, Gigi D’Alessio, Elisa, Eros Ramazzotti, Laura Pausini, Enrico Ruggeri, Francesco De Gregori, Tiziano Ferro, Subsonica, Il Volo, Piero Pelù, Emma Marrone, Samuele Bersani e molti altri (Fonte: Repubblica).

Youtube si è difesa spiegando che la maggioranza delle etichette e degli editori ha accordi di licenza in essere con il sito e che nel 95% dei casi sceglie di lasciare i video caricati dai fan sulla piattaforma per trarre guadagni da essi. L’opinione dei musicisti è molto diversa, al punto da mettere sotto accusa il Content ID, sistema che consentirebbe a Youtube di identificare i contenuti protetti caricati in modo da offrirne la monetizzazione agli artisti.

Viste le problematiche legate a questo sistema e al suo relativo algoritmo, il quale sembra non riuscire ad identificare tutti i caricamenti da monetizzare, gli artisti sarebbero costretti a segnalare i contenuti da monitorare “manualmente”, qualcosa di impossibile considerando l’immensità del web e di questi servizi. La tutela di queste piattaforme è dovuta al Safe Harbour, una normativa introdotta nel 2000 che permette l’utilizzo online di opere protette da copyright per fornire un servizio ai consumatori. Per il mondo della discografia il Safe Harbour non permette di garantire i giusti compensi al mercato musicale.

La questione è scottante e non sappiamo ancora in che modo si risolverà. Nonostante la musica sia in un periodo ascendente, ogni singolo ascolto in un servizio di streaming/video favorisce la fruizione, ma diminuisce le probabilità di vendita. Ormai accade di rado di comprare un disco senza averlo prima ascoltato in streaming. Se un tempo un album poteva costare mediamente intorno ai 15 euro, oggi con iTunes si trova a 9,99 euro e se lo ascoltiamo tutto in streaming il valore per ogni visualizzazione si abbasserà ancora di netto. Se foste un artista che ha speso 10.000 euro per la produzione di un disco, cosa pensereste vedendo il vostro lavoro valutato dagli 0.006 agli 0.0080 euro per ascolto?