In occasione del ritorno al teatro Menotti di Milano e delle imminenti tappe del tour estivo di Nessuna paura di vivere Musica361 ha intervistato la signora Ruggeri.

La cover dell’album Nessuna paura di vivere di Andrea Mirò.

Oltre che il titolo del suo ultimo disco, Nessuna paura di vivere è uno slogan che pare calzare perfettamente anche ad Andrea Mirò, che, come racconta, dopo aver chiuso la stagione al Teatro Menotti tra maggio e giugno protagonista di tre spettacoli di musica e parola diretti da Emilio Russo, si prepara al tour estivo.

Andrea Mirò, al secolo Roberta Mogliotti: qual è l’importanza di un nome d’arte ancora oggi?
Non c’è un’importanza particolare, si può scegliere per diversi motivi. Negli anni ’80 andavano molto i nomi d’arte: nessuno all’epoca avrebbe mai pubblicato un disco di uno che si fosse chiamato ad esempio Gualazzi, di sicuro glielo avrebbero fatto cambiare. In realtà era quello che pensavo anche io: chi avrebbe mai comprato un disco col mio cognome? Mogliotti va bene per un commercialista o un ragioniere, non certo come nome d’arte. Scelsi a tavolino Mirò, insieme al responsabile delle promozioni della EMI, perché a me piaceva molto la pittura. Poi abbiamo cercato un nome e qualcuno suggerì Andrea, ambiguamente maschile, che creò un po’ di scompiglio: era un periodo storico legato ancora a certi stereotipi e vedere una ragazza dal nome maschile e il look androgino ancora colpiva, per lo meno in Italia. I primi tempi l’ho vissuto in maniera un po’ ingombrante ma poi mi ci sono affezionata abituandomi non ad una doppia identità – io sono quello che sono anche sul palco – ma ad avere questa alternativa.

Prima ancora di Sanremo, nel 1986, ti aggiudichi la vittoria a Castrocaro con Pietra su pietra. Come ricordi quel primo importante traguardo?
Non è stato un evento che ho tenuto troppo in considerazione, è semplicemente capitato. Avevo 18 anni e sono entrata in questo mondo per caso, a bocca aperta: non ero pronta come i ragazzi di oggi, determinati ad affrontare questioni tecniche, discografiche e contrattuali. La vincita mi diede l’opportunità di firmare un contratto con una delle più grandi case discografiche in assoluto, la Emi, e poi andai di diritto a Sanremo: fu un’opportunità che mi mise di fronte a delle scelte e nell’ottica di capire quali fossero i miei obbiettivi. Ho cominciato a suonare nei locali e poi mi è capitata la prima vera occasione importante, una grossa tournée con Enrico Ruggeri: e ho conosciuto la persona che da 23 anni ormai è insieme a me.

Come è nata appunto la collaborazione con Ruggeri e cosa ha significato per te quell’esperienza?
Enrico era in cerca di una polistrumentista che potesse cantare le doppie voci insieme a lui: fecero dei provini e mi selezionarono. Quindi è seguita la tournée di Oggetti smarriti (1994), il disco successivo alla sua seconda vittoria sanremese, Mistero. Un tour da grandi numeri, circa 137 date: la prima grossa esperienza grazie alla quale ho avuto la possibilità di lavorare a stretto contatto con un artista che aveva tanto da insegnarmi, come già mi era successo con Mango, Vecchioni e Finardi. E quell’esperienza diretta mi ha dato tanto: come in tutte le arti la teoria serve a ben poco. D’altra parte non si diventa compositore con un corso di scrittura: puoi avere indicazioni preziose per esprimere al meglio la tua sensibilità ma non ti insegneranno mai a scrivere una canzone. Bisogna incanalare il talento, imparare a gestirsi e avere molta sistematicità ricordandosi che questo prima di tutto è un mestiere. Si può avere un’ispirazione alle 4 di notte e scrivere una canzone ma non è la norma. La norma è decidere che in tre giorni devi stendere tre pezzi e non uscire dalla stanza fino ad aver ottenuto qualcosa di buono. Non bisogna stare solo ad aspettare le intuizioni, è un lavoro. O per lo meno lo è davvero quando è così.

Per chi ti conosce e chi vorrebbe scoprirti: ad oggi qual è il tuo brano più rappresentativo, quello cioè che non può mancare ad un tuo concerto, e quello che ami di più?
I pezzi oramai storici, quelli che non possono mancare in ogni concerto, sono due in realtà, quelli scritti a quattro mani con Enrico: Primavera a Sarajevo, ribattezzata dal pubblico La Balalajka e Nessuno tocchi Caino. Sono sempre in scaletta nei miei live, pur con qualche arrangiamento talvolta cambiato. Tra i non necessariamente famosi ce ne sono tanti: tutti i brani che ho composto mi piacciono per motivi diversi. Me ne piacciono molti dell’ultimo disco: Piove da una vita, Così importante o Conseguenze.

Parliamo appunto di Nessuna paura di vivere: perché questo titolo e che tappa rappresenta per te questo disco?
È un titolo che racconta bene il contenuto del disco nel quale ricorre molte volte la parola “paura”. Non nell’accezione di terrore ma intesa come elemento che fa parte della nostra epoca: la paura di guardarsi allo specchio, dell’altro e del diverso, di quello che può succedere nel mondo con i suoi contrasti incredibili, la paura di non essere all’altezza… E soprattutto la paura come sprone per andare oltre l’ostacolo, che ti fa sentire quanto può essere importante quel momento, ti fa salire l’adrenalina e rendere il massimo. Non il panico che blocca ma la paura: la paura di salire su un palco, come di affacciarsi alla vita. E d’altra parte se manca quella è finito tutto: senza emozioni non hai più niente da regalare agli altri, solo mestiere. Questo è il concetto del disco raccontato attraverso le sue storie. Rappresenta una tappa matura: si discosta dal resto della mia discografia per sperimentazione, è un disco abbastanza anomalo, che non riesco ad accostare a nessun altro che io conosca tra gli italiani. É molto particolare, rappresenta il tentativo di distinguermi nel mio percorso, di realizzare qualcosa anche di più rischioso se vogliamo.

Il tuo stile, che fonde anima classica e rock, è sempre stato lontano dal mainstream. Da questo punto di osservazione, come vedi orientarsi il panorama musicale italiano?
C’è molto fermento. Quello che si potrebbe chiamare indie non esiste più, o comunque una parte dell’indie è diventata mainstream, come nel caso degli Afterhours, anche se la qualità dell’indie non corrisponde ai grandi numeri. Non esiste più molto di “alternativo” se per indipendente si intende alternativo. Esiste però ancora un ambito di nicchia, una rosa di artisti che sa invogliare il pubblico a venire ad ascoltare oltreché solo partecipare: una forma che si è persa negli anni.

La scorsa settimana hai calcato il palco del Menotti con Degni di nota insieme ad Alberto Patrucco, in questi giorni torni con Talkin’ Guccini e chiuderai la stagione con Brechtsuite. Che tappa ha rappresentato il teatro per te?
Il teatro è un ambito che non avevo tenuto in considerazione fino a poco tempo fa finché è arrivata questa proposta da Emilio per lo spettacolo su Brassens e Gaber. Io ero un po’ titubante ma Emilio mi ha incoraggiato e pare che da buon regista abbia visto giusto: quando gli attori veri vengono a farti i complimenti nei camerini vuol dire che hai lavorato bene.

In Degni di nota sono protagonisti Brassens e Gaber, musicisti definiti “impegnati”.  Esistono ancora oggi artisti “impegnati” o è una dimensione ormai perduta?
Oggi come oggi il cantautore impegnato, come poteva esserlo negli anni ’70, non esiste più. E credo che un artista impegnato debba prima di tutto essere impegnato a fare al meglio quello che sa fare. Personalmente, da musicista, non ho bisogno di dire cosa penso o di schierarmi, sono bassezze che non mi interessano. Ognuno nella vita privata ha le sue convinzioni, io non ho bisogno di spiegare quello che penso del mondo o della vita degli altri: sono semplicemente considerazioni che si evincono immediatamente da quello che scrivo e faccio. Anche in alcune mie biografie c’è scritto “artista impegnata nel sociale”: ma che significa? Il mio impegno nel sociale si realizza già scrivendo e facendo bene il mio lavoro: si fa politica anche così, si parla alla gente facendo bene il proprio mestiere.

Il cantautore romano che abbiamo conosciuto con il tormentone Vorrei cantare come Biagio e Ti regalerò una rosa, con la quale vinse Sanremo 2007, da qualche tempo si sta dedicando al teatro con buoni risultati. Musica361 ha incontrato Simone Cristicchi.

Dopo Magazzino 18, che racconta il dramma dell’esodo istriano, giuliano e dalmata di molti italiani costretti ad abbandonare la propria terra nel secondo dopoguerra, Cristicchi torna in teatro per raccontare un’altra storia italiana poco conosciuta ma sicuramente di grande fascino: vita, morte e misteri del mistico David Lazzaretti. Abbiamo colto l’occasione per fare con Cristicchi un bilancio della sua carriera tra musica e teatro.

Simone, è vero che la tua prima vera passione è stata il fumetto?
Il disegno è stata la prima manifestazione di un talento innato, fin da piccolo. Quando avevo 16 anni conobbi Benito Jacovitti che è stato per me il primo maestro d’arte. Proprio d’arte più che di disegno: è stato lui a insegnarmi il rigore dell’artista e soprattutto la ricerca di quel tocco che rende ogni artista unico e irripetibile. E trovare il mio stile, prima come fumettista e successivamente come cantautore, è stata una ricerca lunga.

Per dirla col titolo del tuo primo disco, quando hai capito di essere un Fabbricante di canzoni?
Mi ha formato molto ascoltare tanta musica d’autore. Poi ho cominciato a suonare: nei miei primi pezzi mi ispiravo un po’ goffamente ad un cantautorato alla De Gregori e De Andrè. Nel 1998, con lo spirito di chi vuole tentare una nuova strada, se fosse andata bene avrei continuato altrimenti lasciato perdere del tutto, mi iscrissi ad un concorso per cantautori in Abruzzo e vinsi. Con i soldi del premio mi registrai in SIAE, come autore e compositore. L’inizio del mio percorso musicale è cominciato quella sera d’agosto del 1998 davanti ad una piazza gremita da qualche migliaio di persone: quando le ho sentite applaudire per la prima volta ho capito che le mie canzoni potevano emozionare qualcuno. Da lì al vero esordio però passò un’altra decina d’anni.

Come si chiamava il pezzo con il quale hai vinto quel concorso?
L’uomo dei bottoni: parlava di un senzatetto che incontravo sempre alla fermata della metropolitana di Roma che prendevo per andare in Università. Mi aveva colpito la figura di quest’uomo che provava a vendere chincaglierie per lui preziose ma neppure considerate dai passanti.

Tra le tue prime vittorie anche il Cilindro d’argento al Festival “Una casa per Rino”, dedicato a Rino Gaetano. E poi la tua militanza nei CiaoRino, la più famosa cover-band dell’artista crotonese. Come è nato l’amore per Rino Gaetano?
È stato un amore a primo ascolto: ho sentito qualcosa di me nel suo modo di fare musica. Nelle sue canzoni convive la voglia di emozionare con testi che, insieme a contenuti profondi, esprimono anche un elemento grottesco: queste due anime hanno sempre convissuto anche nei miei dischi, penso a brani caustici ma che fanno sorridere come la mia Ombrelloni o L’Italia di Piero. Rino Gaetano resta indubbiamente uno dei miei riferimenti musicali e un nume tutelare per chi voglia divertirsi con la musica lanciando allo stesso tempo piccole frecciate.

C’è un suo brano che hai amato in particolare?
Le Beatitudini. Lo incisi anche per un album di cover dedicato a Gaetano, reinterpretandolo in una versione quasi punk.

In tema di interpretazioni hai cantato anche Questo è amore, firmata da Sergio Endrigo. Chiedo a te che hai avuto anche modo di conoscerlo personalmente: oggi viene degnamente ricordato?
Endrigo ebbe una vita molto avventurosa ed intensa, era un piacere starlo ad ascoltare. Era anche molto divertente, a differenza di quanti lo reputassero un musone. Come artista probabilmente avrebbe meritato e meriterebbe più attenzione, oltre che per i suoi successi come Io che amo solo te e Lontano dagli occhi, anche per il suo repertorio sudamericano, quello con Vinícius De Moraes, i dischi con Toquinho o le canzoni con i testi di Pasolini e Ungaretti.

Nel 2005 finalmente il successo con Vorrei cantare come Biagio, primo singolo che ha lanciato il tormentone Cristicchi. Ancora oggi molti ti ricordano prima di tutto per quella canzone: a distanza di più di 10 anni di carriera come vivi quel successo?
Quella canzone per me è stata indubbiamente una benedizione del cielo, nonostante la abbia scritta in un momento di grande sfiducia nel mondo della discografia. Quella che in principio poteva sembrare una presa in giro di Antonacci, in realtà ha rappresentato un pretesto per criticare il mondo discografico: in quelle strofe c’è il grido di chi non trova spazio per poter esprimere le proprie idee in musica. Ironia della sorte poi proprio quel brano mi ha fatto sfondare. Non posso che essere debitore a quella canzone, anche se, introdurmi nel mondo del mainstream con un tormentone ha anche rischiato di marchiarmi per tutta la carriera. Fortunatamente ho avuto una seconda opportunità altrettanto benedetta, il Festival di Sanremo 2007, occasione grazie alla quale ho potuto dimostrare di essere un cantautore e non una macchietta.

Vinci la 57° edizione del Festival di Sanremo con Ti regalerò una rosa (2007) e sempre in quell’anno esce il tuo libro Centro di Igiene Mentale. La follia è una tematica che sicuramente ti distingue nel processo artistico: qual è la cosa che più ti affascina di quel mondo?
Da bambino mi affascinava il mondo parallelo che sentivo vivere dai malati di mente. Poi, quando mi sono trovato ad indagare più a fondo la realtà della malattia mentale parlando con molti che avevano vissuto l’esperienza del manicomio, da psichiatri a infermieri fino agli stessi malati di mente, mi sono reso conto di quanto quella dimensione fosse invece dolorosa, fatta di emarginazione e pregiudizio e quanto ben poco avesse di così affascinante su cui speculare filosoficamente. Anche se abbiamo avuto esempi di personaggi la cui follia è diventata materia d’arte: insieme a “folli comuni” sono esistiti anche malati di mente come Van Gogh o Alda Merini. Non bisogna dimenticare però che quello che può pur apparentemente sembrare affascinante, nasconde sempre un grande dramma, qualcosa che ancora oggi gli scienziati non riescono a comprendere fino in fondo.

Come cantautore ti definiresti impegnato?
Non saprei dire se sono impegnato o no: mi piace raccontare storie di confine, argomenti di cui si parla meno, da emarginati. In queste storie, più che vero impegno sociale, trovo una grande poesia. Un tipo di poesia che mi fa piacere sentire: forse perché anche io in qualche modo mi reputo o mi reputavo un emarginato.

Lo scorso 15 novembre è stato pubblicato Il secondo figlio di Dio, il tuo romanzo sulla figura di David Lazzaretti, mistico toscano conosciuto come “il Cristo dell’Amiata”. Anzitutto come ti sei imbattuto in questo personaggio?

L’ho conosciuto frequentando il territorio del Monte Amiata, tra la provincia di Siena e Grosseto, terra nella quale la sua vicenda è ancora molto sentita. Ho scoperto che su questo mistico sono stati scritti molti saggi in Toscana ma a livello nazionale non è stato ancora abbastanza valorizzato per quello che ha compiuto: nell’arco della sua vita, singolare e avventurosa, riuscì a cambiare la realtà in cui viveva attraverso la forza delle proprie idee, fino alla tragica morte per il proiettile di un carabiniere. E a 180 anni dalla sua nascita ancora oggi è oggetto di culto: gli è stato persino dedicato un museo e un centro studi tutt’ora attivo nel suo paese natale, Arcidosso.

Perché hai intitolato il tuo romanzo, e il tuo nuovo spettacolo, Il secondo figlio di Dio?
Il secondo figlio di Dio si rifà alla sua proclamazione di “Cristo in seconda venuta” che costò al Lazzaretti un processo e una scomunica dal Santo Uffizio. Probabilmente se affermassi che Cristo è nato il 6 novembre del 1834 ad Arcidosso in Toscana sembrerei un esaltato ma devo confessare che i documenti che abbiamo sono puntellati da coincidenze e testimonianze inquietanti che per lo meno fanno venire qualche dubbio. È un mistero che cerco di indagare.

Cosa ti ha spinto a far conoscere David Lazzaretti?
In ogni secolo, nella storia dell’umanità, ci si imbatte in figure che sembrano giungere da un’altra dimensione a indicare una strada agli esseri umani e il Lazzaretti non fa eccezione: pur ampiamente studiato da Gramsci a Tolstoj, da Pascoli a Lombroso però è stato poi dimenticato. Le sue istanze di solidarietà, uguaglianza e istruzione proclamate a metà Ottocento però continuano ad essere molto attuali. Mi è sembrato doveroso raccontare il risultato di questa indagine, condotta in circa tre anni di ricerche, sia con uno spettacolo ma anche con un romanzo: ho creduto che questa potesse essere una bella sfida per me, sia come scrittore che come divulgatore. Il mio scopo principale e restituire a quest’uomo il posto che merita nella storia italiana: mi piacerebbe che il mio romanzo potesse diventare un nuovo “Codice Da Vinci”, diciamo il mio “Codice Lazzaretti”.

In questo spettacolo, come nel precedente, si alternano momenti recitati e canzoni: dato che nasci come cantautore, come ti sei trovato a conciliare queste due dimensioni?
Si tratta di uno spettacolo teatrale vero e proprio in cui interpreto più personaggi. Ci sono canzoni inedite che sottolineano alcuni momenti ma resta la performance di un attore che ha poco a che vedere col cantautorato. I testi delle canzoni, ispirate alle fonti sulla vicenda del Lazzaretti, mi hanno aiutato semplicemente a sintetizzare in forma musicale tante parole.

La maggior parte del pubblico al momento è abituato a legare il tuo nome ancora alla musica. Il tuo ultimo disco è Album di famiglia (2013): stai preparando qualcosa?
Dal punto di vista discografico non ho novità da segnalare. Continuo comunque a fare concerti e la musica rimane fondamentale per la mia carriera anche se ultimamente sto raccogliendo molto dal teatro.

Come stai vivendo questa esperienza teatrale che ti interessa ormai da qualche anno?
Sono impegnato a costruirmi una nuova credibilità artistica che spero non verrà tradita dal pubblico di sala, permettendomi di continuare a seguire questo meraviglioso percorso. Magazzino 18, lo spettacolo precedente, ha avuto 170.000 spettatori: è un piccolo merito che con tanta fatica mi appunto come una medaglia immaginaria. Quando mi sono proposto nel mondo del teatro, francamente non ho goduto da subito di tanta benemerenza ma ora mi ci sto dedicando con crescente impegno e dedizione: sicuramente al momento voglio continuare a proporre agli spettatori che acquistano un biglietto per venirmi a vedere qualcosa di affascinante e inedito che possa sempre intrigarli e appassionarli.

Dopo l’aneddoto sul brano inedito Non lasciare Roma la scorsa settimana non abbiamo resistito: Musica361 ha intervistato per voi uno degli interpreti e autori fondamentali della storia della musica italiana

La scorsa settimana Fasano ci ha raccontato la genesi di un fantastico brano inedito ma la nostra curiosità, chiacchierando, non si è fermata: ecco cos’altro abbiamo scoperto parlando con uno dei più importanti autori della tradizione nazional popolare italiana.

Come hai esordito nel mondo della musica?
Alla fine degli anni ’70, in occasione dei 25 anni del muretto di Alassio, avevo scritto e inciso Splash, brano che strizzava l’occhio a certe canzoni anni ’60 in stile Eduardo Vianello: a Mario Tilesi piacque molto e decise di produrlo. Quella canzone mi portò molta fortuna: finì sulla scrivania di Salvatore De Pasquale che, credendo fosse firmata dall’amico Peppino di Capri, il quale aveva un’etichetta che per coincidenza si chiamava “Splash”, decise di ascoltarla. Fu così che nel marzo del ’79 mi incontrai con De Pasquale a Milano e gli feci sentire altre canzoni che già erano caratterizzate da questa mia doppia vena romantica e ritmica.

Debutto ufficiale a Sanremo 1981 con Un’ isola alle Hawaii: come ricordi questa prima esibizione?
Nell’estate del 1980 avevo pubblicato con la Durium il mio primo 45 giri Mi piaci tu: dato il buon successo decisero di propormi a Sanremo. Per il festival avevo scritto Esami di maturità che però non convinse abbastanza. Decisero allora di presentarmi con Un’ isola alle Hawaii in origine scelta per Celentano che però all’epoca non poteva incidere perché stava girando un film. E così mi ritrovai per la prima volta al Festival di Sanremo: mi piazzai quinto insieme a Edoardo De Crescenzo, Luca Barbarossa, Fiorella Mannoia e Orietta Berti ma non ebbi accesso alla finale. In ogni caso fu una delle prime emozionanti occasioni per mettere in mostra la mia capacità compositiva.

E quel giorno non mi perderai più (1989) rappresentò uno spartiacque nella tua carriera: pensata per un grosso nome i discografici ti fecero notare che la cantavi meglio tu. Fu quello il momento che ti spinse a dedicarti totalmente alla musica come cantautore completo?
Da quando ho scritto il primo testo non ho mai smesso di sperare di interpretare le mie canzoni, anche se all’inizio non me le facevano cantare. Poi nel 1989 la casa discografica decise di mettere insieme due artisti per vincere a Sanremo formando la coppia Fausto Leali e Anna Oxa, scegliendo per loro E quel giorno non mi perderai più, scritta da me e Berlincioni. Capii che l’idea del duetto poteva funzionare però, per questioni tecniche, mi ero reso conto che quella non era la canzone giusta per loro. Così proposi in alternativa, Ti lascerò, che poi vinse. Si era comunque deciso di presentare E quel giorno non mi perderai più a Sanremo e mi proposero di cantarla: quella fu la prima volta che una canzone che avevo scritto per me trovò il suo interprete migliore! Arrivai terzo nella sezione “Nuovi” ma il tempo mi ha dato giustizia: oggi mi piace sottolineare che grazie a Radio Italia quella canzone entrò in classifica per merito del compianto Franco Nisi, che la spinse parecchio.

Come ricordi Franco Nisi?
(Commosso) È stato uno di quelli che ha fatto capire l’orgoglio e l’importanza della musica italiana trasmettendo 24 ore su 24 il meglio della nostra produzione, in un Paese dove eravamo ancora molto esterofili. La nostra musica arriva da Domenico Modugno, Luigi Tenco, Fabrizio De Andrè e Lucio Battisti: quella musica continua a rappresentare un’epoca che non smette mai di essere di moda. E se talvolta la musica italiana ha fatto qualche passo indietro rispetto alla famosa musica anglofona è dipeso dal fatto di aver scelto di imparentarsi nella scrittura ad un gusto che non gli è proprio, fingendosi italiana.

Quale resta ad oggi il tuo disco più rappresentativo?
Sicuramente FFF (2012). Il titolo spiega bene anche il perché: il significato delle prime due FF è Franco Fasano. Non solo però: nella musica stampata, le due FF indicano il momento in cui un direttore d’orchestra fa suonare tutti gli strumenti insieme, il movimento si chiama “fortissimo” e il suono acquista una forza incredibile. Dunque FFF si può leggere “più che fortissimo”, cioè “fortissimissimo”. E suona benissimo (sorride) perché in quel disco, cui hanno collaborato 320 artisti, tra grafici, autori e musicisti, c’è tutto il mio passato, presente e futuro. Ho rivisitato tutte le mie canzoni che sono tornate ad avere la forma originale, prima dell’adattamento: ad esempio in Mi manchi c’è una strofa tagliata, Ti lascerò si intitola Le ultime tre cose, così come nella famosa lettera di Berlincioni da cui è tratta. In quel disco ho collaborato con tutti gli arrangiatori e i produttori della mia carriera: la regola che ho dato a ciascuno di loro è che ognuno potesse attingere al mio repertorio ma con il divieto di riarrangiare il pezzo che avevamo originariamente realizzato insieme. La produzione di Fortissimissimo è sicuramente quella che ho più nel cuore: a parte due o tre inediti, la considero la mia antologia sonora.

Negli anni hai firmato per numerosi interpreti da Fausto Leali, a Drupi a Mina. C’è una canzone o una collaborazione che hai più nel cuore?
Tante ma stranamente poche tra quelle che poi sono diventate successi, forse perché durante la realizzazione non le avevo vissute così intensamente. Un’artista invece con la quale ho collaborato, che non cito quasi mai ma che ricordo con piacere, è Lu Colombo con la quale ho anche vinto Un disco per l’estate con Rimini Ouagadougou (1985), suo secondo successo dopo Maracaibo. Quella canzone fu molto importante perché mi permise di conoscere Sergio Conforti cioè Rocco Tanica di Elio e le Storie Tese col quale è nata un’amicizia che lo ha portato ad arrangiare per me Mezzo cielo che non sai e Per niente al mondo.

Colpevole invece è la canzone presentata a Sanremo 2005 da Nicola Arigliano che si aggiudica il Premio Mia Martini. Questo riconoscimento ti ha portato poi la carica di direttore artistico del Premio Mia Martini.
Voglio prima ricordare che ho avuto il piacere di conoscere Mimì personalmente. Le scrissi anche la canzone La luna ma non fece mai in tempo a registrarla. Dopo la sua morte non volevo più darla a nessun altro. Poi, quando ho registrato Fortissimissimo, mi hanno convinto a inciderla, però rimodificando un po’ il testo: prima era Mimì che si immedesimava nella luna mentre nella mia versione io, guardando la luna, mi ricordo di lei. Quando partecipai alla prima edizione del premio Mia Martini a Bagnara Calabra portai proprio La luna che quasi non riuscii a cantare dall’emozione. Fu in quell’occasione che l’allora direttore Nino Romeo esortò gli artisti a firmare una petizione perché il premio della critica fosse intitolato Premio Mia Martini, dato che nella sua carriera l’aveva vinto ben tre volte. Poi, casi della vita, nel 2005 dopo che Arigliano si aggiudicò il riconoscimento con Colpevole, Romeo mi propose la direzione artistica del Premio Mia Martini.

Il mio sogno oggi è che questo riconoscimento possa diventare una specie di Premio Tenco del sud. E ci sono parzialmente riuscito: quest’anno tra i premiati c’erano Amedeo Minghi, Roberto Vecchioni e Gaetano Curreri. E anche Chiara Dello Iacovo che ha regalato una bella interpretazione che ha un po’ commosso tutti.

Oggi secondo te la figura di Mia Martini è stata un po’ riscattata rispetto agli ultimi tempi?
Mia Martini ha cominciato a non avere fine da quando è mancata: le sue canzoni continuano a essere un esempio di scrittura e interpretazione. E non sono il solo a pensarla così: il giorno che ho avuto il piacere di conoscere Mina tramite Gianni Bigazzi la sentii con le mie orecchie affermare che Mia Martini è stata una delle più grandi interpreti e voci italiane.

Capitolo musica per bambini: come hai ricordato nella tua carriera sei stato anche autore di canzoni per lo Zecchino d’oro e di sigle di cartoni animati. Che tappa ha rappresentato per te?
Da quando è nato mio figlio nel 1994 ho cominciato a scrivere canzoni per bambini e francamente addentrarmi in quel mondo mi ha un po’ guarito dalla dipendenza da una discografia che cominciava ad ammalarsi, sempre più assoggettata alle logiche di promozione e schiava di certi meccanismi. È stato salutare per certi versi.

Qual è l’approccio della scrittura di una canzone interpretata da un bambino rispetto ad un adulto?
Tradotto in un’immagine significa che non si può prendere un vestito che va ad un adulto e metterlo ad un bambino: ha le maniche lunghe, i pantaloni larghi e la forma può essere non moderna. Se la stoffa è una sola, la vera capacità deve essere quella di creare un vestito su misura. Io in particolare ho sempre cercato di considerare anche che il bambino, crescendo, potesse rendersi conto della stoffa che ha cantato: nelle mie canzoni c’è sempre un aspetto sia didattico che umano. Un esempio di quello che dico è Goccia dopo goccia scritta con Emilio Di Stefano: abbiamo chiamato in una registrazione il coro di montagna di Sant’Ilario che si è unito a quello dei bambini. Così i più piccoli insieme ai “bambini cresciuti” hanno intonato “Non è importante se non siamo grandi come le montagne, quello che conta è stare insieme per aiutare chi non ce la fa”. E la stoffa di cui ti parlavo è ritornata ad essere una.

Sono rimasti sogni nel cassetto?
In Fortissimissimo ci sono almeno tre canzoni che potrebbero essere la colonna sonora di un film o di uno sceneggiato: mi piacerebbe che qualcuno mi desse l’opportunità di scriverne una.

Il prossimo anno festeggerai 40 anni di carriera: stai pensando a qualche progetto?
Aspetto proposte da chi mi vuole bene! (Sorride) Intanto continuo ad esibirmi raccontando in musica quello che io ti ho raccontato, con uno spettacolo che faccia sempre rivivere quello che ho vissuto a chi vuole conoscere la mia carriera. Sto continuando a scrivere, anche se da un punto di vista discografico sono assente dalle scene da Fortissimissimo: però quel disco racconta talmente la mia storia che mi sembra di essere in promozione ancora adesso! In questo periodo mi sto occupando della direzione artistica di una trasmissione che andrà in onda su Raiuno in una delle notti della settimana di Natale: “Nel nome di Giovanni Paolo II”. È stata registrata dal carcere di Torino, ha una tematica sociale importante. Quando ci sono temi che mi coinvolgono e mi toccano cerco sempre di dare il mio contributo. Oggi come oggi, per quanto riguarda l’aspetto creativo, ogni idea che mi accende una scintilla prende fuoco.

Musica361 ripercorre col cantautore e compositore Franco Fasano tutta la storia di “Non lasciare Roma”, un inedito che ancora oggi continua a intrecciare la vita dell’autore ligure e dell’attore romano.

Il 16 dicembre 2014 veniva pubblicata “Non lasciare Roma” canzone inedita incisa da Nino Manfredi nel 1999. Il brano ha una storia incredibile: nasce il secolo scorso da un’idea di Mario Panzeri e rimane abbozzata per decenni finché poi, riscoperta da Franco Fasano, viene completata insieme al pianista Claudio Zitti. Una storia che continua fino ai giorni nostri come racconta Fasano.

Andiamo per tappe: intanto come ha scoperto questo inedito?
Per festeggiare il successo della mia canzone per bambini Katalicammello nell’estate del 1997 incontrai a casa mia gli autori torinesi Grottoli e Vaschetti. In quell’occasione, chiacchierando, Vaschetti ricordò di quando io avevo presentato entrambi a Mario Panzeri, l’autore di Papaveri e papere e Nessuno mi può giudicare per la Caselli. E tra un ricordo e l’altro mi raccontarono di alcuni brani rimasti inediti tra cui anche una certa Non lasciare Roma senza baciare una romana, canzone per le sale da ballo sullo stile di Arrivederci Roma abbozzata da Panzeri, credo già alla fine degli anni ’50. Quel pomeriggio me la fecero sentire per la prima volta e subito mi colpì: era un successo nascosto in un cassetto. Le mancava il ritornello, così mi misi a sviluppare musica e testo completandola. Chiamai poi Claudio Zitti e gli dissi: “Vuoi diventare famoso? Prendi questa canzone e falla cantare a sette romani che chiameremo I sette re di Roma!

E avete trovato i sette re?
Qualche tempo dopo mi richiama Claudio: “Senti Franco, non so se riesco a trovare gli altri sei, però un re te l’ho trovato”. Accadde una specie di miracolo: Zitti aveva lasciato non so come la cassetta con la registrazione a casa di Nino Manfredi, che lo aveva richiamato dicendogli “Ahò ma che è sto capolavoro?!” Così nel 1999 Manfredi la incise insieme a Zitti su un dat, un nastro digitale. La canzone però di fatto rimase sempre un provino: per motivi sconosciuti non riuscirono a mettersi d’accordo. Poi per il Giubileo del 2000 qualcuno propose questa canzone come colonna sonora di uno spot dell’Alitalia nel mondo ma anche in quel caso niente di fatto. Persino l’allora sindaco Rutelli suggerì di presentarla durante una serata ai fori imperiali ma in quel caso fu Zitti a non essere favorevole perché aveva un altro progetto.

Quale?
Voleva che questa canzone andasse a Sanremo con Nino Manfredi ospite. Riuscì ad avere un appuntamento con Pippo Baudo che, secondo alcune voci che mi furono riportate, disse: “La canzone è bellissima però ci vorrebbe un’idea migliore”. Allora Claudio andò a casa di Alberto Sordi che era già malato e gliela fece ascoltare. E Sordi disse: “Questa canzone è un capolavoro. Io posso rendermi disponibile massimo tre volte: una volta in studio per registrarla, una a Sanremo e una a Domenica In. Non chiedetemi di più però perché non sto bene”. Claudio Zitti purtroppo però non riuscì a fissare un altro appuntamento con Baudo, si finì sotto Natale e alla fine non venne cantata neanche da Alberto Sordi. Pensate cosa è mancato alla storia della musica italiana.

Neanche Sanremo. Che fine ha fatto la canzone?
Chiunque la ascoltasse continuava a dirmi: questo è un capolavoro, non può rimanere inedito. In particolare, grazie all’interesse di Cristiano Di Calisto, due anni fa mi arrivò una telefonata di Erminia Manfredi, la moglie di Nino: “Mi hanno raccontato una storia bellissima su una canzone, vorrei saperne di più”. Io che oramai a distanza di anni avevo perso le speranze non potevo crederci. Ho incontrato Erminia e le ho raccontato tutta la storia; lei si rivelò molto interessata a pubblicare il brano cantato da Nino ma in quel periodo era impegnata ad allestire una mostra sulla carriera di Manfredi a Palazzo Braschi e in più avrebbe dovuto partecipare ad una proiezione del film restaurato “Pane e cioccolata” a Los Angeles. Aveva poco tempo insomma e allora le dissi: “Se lei mi autorizza me ne occupo io”. Così grazie a Gianna Bigazzi, moglie di Giancarlo, abbiamo prodotto il brano proprio come se Nino fosse con noi.

Come è stato rimetter le mani sul nastro cantato da Manfredi?
Abbiamo riaperto e riascoltato quel nastro quasi facendoci il segno della croce. Era ancora intatto: abbiamo digitalizzato la voce e poi convocato un’orchestra di 40 elementi. Gianna propose anche di creare un video e di parlarne a Carlo Conti che presentava il festival due anni fa. A Conti piacque l’idea però anche quell’anno, per altri motivi, con grande raccapriccio la proposta sfumò. Si parlò comunque della canzone che venne pubblicata, vennero anche realizzati un paio di servizi per il tg e qualcosa si trova ancora su YouTube ma in realtà il brano continua a rimanere un inedito di Nino Manfredi.

E qui pare finire la storia della canzone. Ma non la storia che lega lei e la famiglia Manfredi…
Io abito da 12 anni a Roma con la mia compagna. L’anno scorso mio figlio Emanuele ha deciso per la prima volta di venire a Roma per trascorrere con me, la sorellina Dalia e la mia compagna il Natale. Quando è arrivato in stazione a Milano il treno per Roma era in ritardo. Nell’attesa si è accorto di un pianoforte in uno degli ambienti della stazione e si è seduto a suonare un pezzo scritto da lui: e mentre suonava si avvicinò un po’ di gente ad ascoltarlo. Poi finalmente arrivò il treno e mi raggiunse a Roma. La sera del 25 dicembre, verso le 23, mentre eravamo tutti a riposarci sul divano mio figlio lesse ad alta voce un messaggio: “Un’amica mi chiede se quello al pianoforte in questo video su YouTube sono io”. Mi fece vedere il video e ci rendemmo conto che si trattava proprio di Emanuele: qualcuno lo aveva ripreso in stazione mentre suonava e poi aveva caricato il video. Quando ce ne siamo accorti era a 21.000 visualizzazioni e alle 2 del mattino aveva superato le 100mila. Controllai il nome dell’autore di questa ripresa: si trattava di un certo Alberto Simone. Cercando su facebook scoprii una cosa impressionante.

Chi era?
Si trattava del marito della figlia di Nino Manfredi, un importante autore di fiction. Gli scrissi perché volevo assolutamente conoscerlo; lui per prima cosa si scusò con me perché credeva che volessi lamentarmi per le riprese credendo che mio figlio fosse minorenne. Poi ci siamo dati appuntamento e conosciuti di persona il 4 di gennaio di quest’anno. Gli parlai pure della canzone Non lasciare Roma ma non ne sapeva nulla: seguiva poco l’Italia essendo sempre “pendolare” tra Roma e Los Angeles. E la favola non finisce qui.

Conclusione?
Il video di Emanuele è stato visto da tantissime persone, anche da Caterina Caselli con la quale lo scorso maggio ha firmato un contratto discografico. Caterina in persona, con mia gioiosa meraviglia, dopo aver visto il filmato, ha preso un aereo ed è andata a parlare con Alberto Simone. Non ho mai voluto influenzare Emanuele nella scelta di questo mestiere: la cosa più bella di tutta questa storia è che non c’è stato alcun “click” comprato e soprattutto neppure, nella maniera più assoluta, la mia mano.

Forse un segno di riconoscenza di Nino Manfredi?
Chissà. Sarebbe bello pensarlo. E in questo caso “Grazie Nì”.