Giovanni Trimani: “L’Arte è di chi riesce ad osservare”

L’arte si rivolge all’uomo, e qualunque uomo, giovane o anziano, lavoratore del braccio o della mente, con istruzione o ignoranza è pur sempre uomo. E tutti li uomini sono in grado di comprendere e osservare il pensiero e le emozioni che si celano dietro un’opera d’arte. Così da dare ancor più valore all’opera stessa, grazie a tutti gli occhi ricchi di sentimenti e pensieri. In questo appuntamento ho avuto il piacere di incontrare l’artista Giovanni Trimani, che ci racconta della sua arte e tutte le sue sfaccettature.

Ciao Giovanni, raccontami di come nasce l’artista che è in te?

Non so dire esattamente quando sia nato l’artista in me. Probabilmente l’influenza di mio padre ha giocato un ruolo importante. Mi ha sempre trasmesso il suo amore per l’arte ed ha collezionato nel corso della sua vita molte opere. Come collezionista sicuramente non era ordinato e strutturato. Però ha avuto la fortuna di conoscere grandi artisti del suo tempo Mino Maccari, Vangelli, Manzù, Hajnal, Scanavino e Fausto Melotti.

Artisti da cui ha avuto il piacere di acquistare delle loro opere. Sono cresciuto fin da bambino in una casa piena di quadri e sculture di grandi autori, ricordo nella mia prima cameretta un bellissimo olio di Mino Maccari.

L’altra grande figura è sicuramente Franco Giacchieri, un importantissimo pittore Romano, che ho avuto la fortuna di incontrare alle scuole medie. È stato lui che mi ha insegnato i rudimenti di molte tecniche e mi ha trasmesso la “passionaccia”. È intervenuta poi la passione, l’impegno costante e quotidiano che mi hanno portato nel 2011 a diventare un professionista.

Come definisci la tua arte?

È sempre difficile dare una definizione della propria arte. Preferisco che la diano gli altri per non risultare autoreferenziale. Il mio lavoro si basa fondamentalmente sul grandissimo rispetto che ho nei confronti dell’osservatore.

Il pubblico è importante per l’artista perché senza di esso l’opera d’arte non esiste. Il contatto con l’altro genera quel processo di scambio tra l’opera e L’Osservatore. Da sola un’opera è morta, muta, è destinata a non volare. Soprattutto in questo periodo trovo disarmante pensare che un video, una foto possano sostituire l’esperienza diretta di qualsiasi forma di arte sia essa, un quadro, una scultura, un brano musicale o uno spettacolo di teatro.

Ho sempre cercato il contatto con il pubblico soprattutto in situazioni non specificatamente vocate all’arte. Il confronto con il pubblico è fondamentale. Credo molto di più in una critica strutturata e ben motivata rispetto ad un mieloso elogio. Spero che la mia arte si possa definire sincera; sincerità non mancanza di complessità. Purtroppo siamo una società che confonde la pacatezza e la calma con una mancanza di contenuti.

Io non urlo nelle mie opere il mio punto di vista, parto sempre dalla mia esperienza cercando sempre una chiave di lettura del presente, del passato e del futuro che sia la più universale. Non amo alzare il volume delle mie affermazioni, come un buon brano musicale tento di far riflettere l’ascoltatore non per portarlo dalla mia parte ma per generare domande, le stesse che incessantemente mi pongo io ogni giorno.

Che rapporto hai con la musica?

Ho sempre avuto un grande rapporto con la musica fin da giovane. Ho avuto la fortuna di ascoltare grandi autori grazie ai miei fratelli più grandi, artisti italiani e stranieri. Molto spesso ricordo i brani che ascoltavo durante la lavorazione di alcune opere.

Nel mio primo piccolo studio avevo un vecchissimo mangianastri che mi accompagnava con della buona musica, tutto il tempo. Conservo ancora oggi gelosamente quelle cassette ormai rovinate e consumate.

Sicuramente la scoperta musicale che più mi ha segnato è il Progressive, ho sempre apprezzato la complessità dei brani e la varietà di stili sia nella loro composizione che nell’esecuzione. I Genesis, gli Yes, i Jethro Tull e l’italianissima PFM mi hanno seguito nel mio lavoro.

Esiste secondo te un’alchimia tra arte e musica?

Sia la musica che l’arte visiva hanno la medesima struttura. Ogni quadro deve essere composto in maniera armonica ed avere una struttura portante. Anche la fruizione di un quadro può ricordare quella di un brano musicale.

Sia la musica che le opere visive incidono l’universo dell’osservatore/ascoltatore. Un quadro piega lo spazio e lo riempie. L’Osservatore si accosta all’opera compiendo un percorso nella superfice dell’opera stessa. Come i brani composti da un musicista anche i quadri di un pittore messi vicini danno il sound dell’autore.

Un’opera ben realizzata è un’opera che parla, che suona e che colpisce chi la osserva. Quando giudico una mia opera che non mi convince la definisco muta, incapace di trasmettere. I quadri e le sculture vanno ascoltati. Il rapporto che si instaura tra un’opera d’arte e lo spettatore è un processo che non si limita solo alla sensazione visiva pura e semplice, ma è un complesso processo di identificazione e allo stesso tempo di distanza, una danza interiore ritmata dall’opera stessa.

Un brano, come un quadro non serve a niente, non ha un’utilità primaria, non si mangia e non si beve, ma è necessaria. Necessità che nutre la nostra anima, dobbiamo sfamare il corpo altrimenti gli organi muoiono, ma allo stesso tempo dobbiamo alimentare l’anima altrimenti smettiamo di esistere. Il cibo dell’anima è l’arte, di qualsiasi natura essa sia, che sia un quadro, una canzone, uno spettacolo teatrale o un film

L’Arte che fa riflettere

Alberto Timossi: “Realizzo le mie opere in luoghi che fanno riflettere e pensare, non solo vedere l’opera in sè”.

L’uomo si è sempre ispirato attraverso gli ambienti e panorami naturali, come se fosse una tela pre-dipinta, per esprimere emozioni in continua trasformazione.

Un’arte che mette al centro l’ambiente piuttosto che l’uomo prendendone in prestito gli elementi naturali e dando vita a opere che, spesso, sono destinate a dissolversi con esso, poiché esposte alle intemperie e all’azione del tempo.

L’incontro con la natura e il ruolo secondario dell’uomo rispetto all’ambiente che lo circonda è un insegnamento che oggi più che mai acquista sempre più valore e importanza.

L’artista Alberto Timossi mi ha condotto verso un affascinante viaggio tra arte e natura. La sua formazione è nata tra Genova e Carrara, dove ha frequentato l’Accademia delle Belli Arti. Da anni si interessa di arte ambientale realizzata con materiali derivanti dall’edilizia.

Le tue sculture difronte ad occhi poco riflessivi potrebbero sembrare solo dei tubi ma dietro si cela un mondo ricco di significato e senso. Ma raccontami dei tuoi progetti con la musica?

Ho avuto molte collaborazioni con musicisti, in particolare con compositori di elettronica e elettroacustica. Insieme al musicista Simone Pappalardo, abbiamo creato delle performance che uniscono scultura e musica. Tra queste mi ricordo con affetto un progetto in particolare, avevo lavorato dei tubi molto grandi dove all’interno danzavano molto lentamente tre ballerini dove il suono dei loro movimenti veniva registrato simultaneamente, così da creare un effetto magnifico.

Anche la tua opera “Crisalide” aveva una struttura analoga?

Si, esatto. Anche in “Crisalide” vi era all’interno della mia scultura una danzatrice che ne usciva fuori con movimenti leggeri e lenti. Il mio intento era proprio rappresentare la vita di una crisalide, una vita che è imprigionata dalla contemporaneità e dalle industrie che caratterizzano il nostro secolo.

Ma nel corso dei miei lavori ho dato vita a opere più mature sul tema delle performance.

E quali sono?

Il primo è una scultura sui suoni dell’acqua. Avevo posizionato dei tubi dentro le rive di un fiume. Ma forse l’opera più strutturata è stata “Variazioni sull’Albero”, realizzata nel 2012, sempre insieme a Simone Pappalardo. Abbiamo partecipato anche a diversi festival sonori, come Emufest dell’accademia di Santa Cecilia di Roma e poi a seguire al festival al Conservatorio di Frosinone.

L’opera aveva la forma di un albero costruita con un tubo che era il tronco e due che fungevano da rami tubolari.

All’interno vi era un meccanismo che se azionato tramite un pulsante attivava una reazione elettro acustica così da far suonare l’albero stesso.

Da cosa nasce l’esigenza di creare un dialogo con il suono?

Nasce da una necessità di dare voce ad una materia, che nel mio caso sono rappresentati attraverso dei tubi.

Bisogno che in seguito si è manifestato anche con il rapporto con lo spazio, quindi ho smesso di lavorare con il suono e mi sono concentrato sulla relazione spaziale. Ho approfondito il rapporto con la natura e con la città.

Queste istallazioni nascono per essere inserite in vari contesti e vari spazi, così da costruire un dialogo con l’ambiente. Questo scambio, vuole affrontare dei grandi temi del cambiamento, come quello ambientale e climatico.  La mia opera “Illusione” vuole richiamare proprio l’attenzione in u luogo che ha bisogno di osservazione. Simula un’intrusione dentro i gradoni delle Cave di Michelangelo di Carrara.

La musica è interessante anche nel momento in cui non c’è, come le pause, spesso fondamentali.

Ho sentito l’esigenza di intervenire proprio in quell’ambiente per raccontare lo stato di quelle montagne, che si stanno sempre più assottigliando. Illusione, vuole essere il simbolo di un ago che cerca di ricucire la ferita della montagna.

Il simbolo dell’acqua è spesso ricorrente nelle tue opere, cosa rappresenta per te?

Fonte di vita, di rinnovamento e continuo movimento. L’acqua è l’elemento ideale per valorizzare la forma dei miei tubi. Un altro aspetto, forse più concettuale, in natura l’acqua oltre ad essere il bene primario è anche colei che crea ogni genere di esistenza.

Quale potrebbe essere un elemento di congiunzione tra arte e musica?

In questo momento il legame più forte tra la mia arte ambientale e la musica, è il tempo. Ti spiego, la musica ha un ascolto che dura nel tempo, ha una sua architettura interna fatta di regole, per cui per capire quella musica è necessario del tempo. Credo che la stessa cosa succede quando tu guardi un’opera, come ad esempio la mia Fata Morgana, composta da 33 elementi galleggianti sul lago, dove cambiavano a seconda del, tempo, della luce, del vento e del percorso che si faceva attorno alla riva, per cui avevi bisogno di tempo per entrare nell’opera. Il fatto di capire che anche nell’osservare e vivere un’opera devi avere il tempo per analizzare e indagare come in una composizione musicale.

Articolo a cura di Melissa Brucculeri 

La Danza delle Anime dei Palazzi

La musica ci insegna che qualsiasi elemento può prendere moltitudini forme a suon di ritmo. Ma anche l’arte, spesso in modi inaspettati, ci regala opere incredibili, dove anche le forme più rigide e statiche possono assumere forme sinuose. Ho avuto il piacere di incontrare l’artista Antonio La Rosa, artista, performer e libero pensatore.

Come nasce l’artista che c’è in te?

Tutto quando ero ragazzino. Sono entrato a contatto con il teatro durante il percorso delle medie, che mi ha aperto un mondo surreale e bellissimo. Da qui si insinua il seme della voglia di scoprire cose si cela dietro questo mondo. Da qui nasce l’esigenza di studiare la recitazione a livello professionale. Cosi dalla mia terra madre Sarda mi sono trasferito a Roma per studiare recitazione. Un giorno per puro caso mi sono ritrovato a dipingere una tela, prima di allora mi dilettavo senza pretese a fare piccoli bozzetti, non mi sarei mai immaginato che quella della pittura potesse essere la mia strada. Ma quella prima esperienza mi provoco emozioni fortissime. E così decisi di approfondire la mia conoscenza nel mondo dell’arte, seguendo così diversi artisti e galleristi.

Nasce prima la pittura e poi la scultura…

Dopo la pittura è nata l’esigenza di una tridimensionalità e di prenderlo per le mani. Poi a dire la verità finite le scuole superiori ho iniziato a lavorare con mio padre che aveva un’azienda di lavorazione del ferro e da lì ho iniziato a mettere mano sul materiale, mi ha dato tutte le basi tecniche.

Qual è un simbolo che caratterizza la tua arte?

Diciamo che i palazzi sono po’ la mia firma. La mia arte nasce dall’esigenza di ricreare il ritratto di quella che è la vita moderna e contemporanea. L’ho trovato in questi grattacieli, grandi strutture che rappresentano un po’ lo specchio non solo della nostra società ma della vita stessa.

Che idea si cela dietro a questa rappresentazione di questi palazzi?

È il ritratto di questo secolo. I palazzi sono contenitori di anime di chi li abita, dove accadono infinità di eventi. Le pareti che li contornano sono accompagnate da finestre dove si può scorgere gli individuo che la vivono. Credo che spesso siamo incuranti di tutti questi micro mondi intorno a noi, dove all’interno ci sono mille realtà. Chi sta cucinando, chi studia, chi fa l’amore, chi sta morendo, chi soffre, insomma dentro ogni grattacielo c’è vita. Le metropoli che rappresento sono uno scenario che racconta matrioske di vita. Proprio per questo spesso vengono rappresentati con forme sinuose, perché mi piace pensare che siano un’anima collettiva di chi li abita, superando ogni logica razionale della materia, così da sconfiggere la rigidità, iniziando a danzare a suon di musica.

Come la definiresti la tua arte?

Non so darti una ben precisa. Quello che provo io è un senso di liberazione, come una catarsi. Ma credo, ogni artista ha un’esigenza profonda di sviscerare una propria verità, un proprio fardello.

Ammirando le tue opere ho potuto notare che ci sono rappresentati di musicisti, da cosa nascono?

Si, mi è capitato di dipingere musicisti immaginari circondati dai miei palazzi. Proprio come accennavo prima, sono spinto dall’esigenza di dare un movimento a tutta quella materia rigida, iniziando così a danzare una musica del mondo.

Che tipo di legame hai con la musica? Hai mai avuto esperienze ravvicinate?

Si, durante la mia carriera di attore. Stavo partecipando ad un progetto di una rock opera, mi sono trovato per esigenze di copione a suonare poche note di Amarcord al pianoforte. Da quel momento ho capito quanta vita c’è dentro uno strumento. Dopo questa esperienza a distanza di tempo, casualmente al Gubbio Summer Festival ho avuto il piacere di conoscere il noto compositore Michele Marvulli, che mi ha dilettato con la sua musica al pianoforte.

Inoltre, anni fa è nata una collaborazione molto interessante con dei musicisti jazz. Così abbiamo creato una performance artistica. Partivo da una tela bianca e iniziavo a dipingere a suon di musica, ci contaminavamo e ispiravamo a vicenda. Mentre io dipingevo a ritmo loro suonavano secondo il mio ritmo di pennellate che a seconda del suono si facevano più irruente o più delicate.

Esiste secondo te un elemento di congiunzione tra arte e musica?

Credo nella visione onirica. I colori sono definiti, eppure il pittore riesce a creare un mondo svariato di tonalità, così vale anche per la musica con le sue note. Il lato onirico sta nel riuscire a vedere un qualcosa che in quel momento non esiste e non c’è, che poi probabilmente nasce dalla realtà. Forse è più un’emozione della realtà. Queste visioni nascono da momenti di pura magia, come se si aprisse un canale di flusso tra una coscienza universale e le proprie mani.

Articolo a cura di Melissa Brucculeri

L’Arte semplice ed essenziale di Sandro Scarmiglia

L’arte da sempre è stata oggetto di trasformazione ed evoluzione. Ogni artista, in tutte le epoche ha plasmato le proprie rappresentazioni artistiche a immagine e somiglianza di un contesto e un’epoca in cui viveva.  Ma vorrei soffermarmi in particolare sull’arte essenziale. Un’estasi della materia, dove nell’opera la materia esce fuori di sé per essere quello che è. L’arte essenziale pone ogni individuo alla radicalità delle questioni fondamentali dell’arte, del pensiero e della vita stessa.

Tratti caratteristici sono una sobrietà del gesto, una distanza dalle modalità spettacolari e comunicazionali a favore di un silenzio creativo, seppur contornato da un brusio di un racconto e della storia. Conta solo l’essenza di un gesto e di un contorno che si crea dietro al gesto stesso e all’opera.

Musica e arte hanno lo stesso obiettivo cioè quello di trasmettere un’essenza celata dietro due formule di linguaggio differenti. Prendiamo ad esempio il jazz con l’arte essenziale, entrambe sono composte da pochi elementi ma che portano con sè un mondo di emozioni.  I più bei brani jazz spesso sono stati composti solo con poche note, ma proprio perché erano le note giuste hanno dato vita a brani formidabili. Ho avuto il piacere di entrare nell’affascinante mondo dell’artista Sandro Scarmiglia. Artista romano, ha conseguito gli studi di pittura all’Accademia delle Belle Arti di Brera.

Sempre alla continua ricerca di nuove sperimentazioni di una pittura materica, focalizzando la sua materia d’indagine di uno spazio tattile e visivo che lo spinge verso forme semplici ed essenziali.

Le tue opere richiamano molto un mondo musicale? Le forme delle tue opere si rifanno a strumenti musicali Cosa rappresenta per te la musica?

La musica è importante. La musica è quell’elemento che ognuno di noi porta dentro, è più metafisico che tangibile, l’arte plastica puoi toccarla, mentre la musica entri in contatto attraverso l’udito ed è un qualcosa di puramente trascendente ed emozionale.

Quanto influisce la musica nei tuoi processi creativi?

La componente musicale nel mio lavoro è preziosa, non solo perché quando lavoro ascolto musica, ma perché all’interno della composizione, in qualsiasi circostanza sia nella pittura che nelle sculture, mi pongo in termini musicali, ossia, ho uno spazio come se fosse uno spartito, vado ad aggiungere degli elementi ritmici e delle note che sono i punti di colore. Mi piace lavorare su forme molto semplici, la parte che mi interessa di più non è la scultura o l’oggetto in sé, ma l’allestimento che vado a creare e l’atmosfera che nasce intorno ad essa. È bello vedere quanto un opera può cambiare a seconda delle diverse ambientazioni e composizioni. Ogni elemento è come se fosse una particella della composizione.

Hai un genere musicale a cui sei legato?

Si, non ho una grande cultura musicale, ma cerco di ascoltare musica di qualità. Quella che prediligo è la musica jazz che riesce ad abbracciare tantissimi altri generi. Il jazz è fondamentale per creare nuovi stimoli musicali perché racchiude dentro tante componenti

Osservando alcune delle tue sculture alcune richiamano le forme di alcuni strumenti musicali come ad esempio la tua opera “la chiacchiera” potrebbe rievocare la canna di un organo…

L’idea della musica c’è sempre nel mio lavoro. E adesso sto cercando di introdurla come parte integrante delle mie opere, come parte di un insieme. Vorrei che fosse composta una musica dove il musicista si ritrova a creare proprio mentre guarda le mie opere, nella suggestione delle forme.

Come definisci la tua arte?

Pura, semplice ed essenziale

Hai un’ambizione per la tua arte?

Mi piacerebbe riuscire a trovare nella mia arte quegli elementi che trascendono un po’ quello che è la circostanza temporale, ecco perché la chiamo essenziale, cerco quel filo conduttore che appartiene a tutti, un’essenza di quei momenti che con sè porta la storia dell’arte. Io lo faccio con le mie forme molto elementari e semplici. Perché ogni momento storico ha i suoi modi i suoi archetipi, mi piacerebbe togliere tutto questo e rimanere sulla struttura e sull’osso che perdura. È una mia ambizione lo so!

Articolo a cura di Melissa Brucculeri