Marco Spoletini, pluripremiato:  due David di Donatello, due Nastro d’Argento e tre Ciak d’Oro

La creazione di un film è l’insieme di applicazioni tecniche che rende reale l’immaginario artistico dell’autore.

Se alla base del linguaggio cinematografico troviamo l’inquadratura, la scena e la sequenza, dall’altra, il contributo del montaggio rende tutte queste componenti piene di senso narrativo attraverso l’accostamento di varie scene.

Il ruolo del montaggio conferisce alla rappresentazione cinematografica significato e logica del racconto.

Ma non solo, mette insieme scene e frammenti a volte distanti tra loro, così da guidare lo spettatore verso un percorso visivo.

Un’affinità tra questo mestiere e la musica è il tempo, perché come in uno spartito il montatore è colui che scandisce una sequenza all’interno di un racconto cosi da trasmettere emozioni allo spettatore.

Ho avuto il grande piacere di intervistare uno dei più noti montatori del panorama italiano: Marco Spoletini.

Un grande professionista pieno di sensibilità e disponibilità.

Trent’anni di carriera che lo hanno portato a lavorare con moltissimi registi noti, uno tra questi Matteo Garrone.

Pluripremiato con due David di Donatello come migliori montatore, nel 2009 per Gomorra e nel 2019 con Dogman, due Nastro D’Argento e tre Ciak d’Oro.

Come ti sei avvicinato al mestiere del montatore?

Diciamo che nasce un po’ per caso. Ho frequentato l’Istituto Rossellini di Roma.

Dopo essere stato bocciato all’esame di operatore ho scelto la sezione di montaggio per non perdere l’anno, e con grande sorpresa ho scoperto che era il ruolo che mi appassionava di più.

Così, mi sono diplomato come montatore Cinematografico, subito dopo ho fatto domanda al Centro Sperimentale di Roma, accolta con successo.

Da qui si sono consolidate le mie basi tecniche.

Inoltre mi entusiasmava l’idea del “montautore” come dico io, che con il suo contributo dà vita al racconto.

Il mio ruolo per certi versi, è quello di uno spettatore interattivo, che riesce ad agire sulla materia e deve essere anche convinto emotivamente del materiale che ha a disposizione.

La tua carriera è molto vasta, ma ho visto che hai lavorato su tutti i film di Garrone?

Si, con Garrone ho lavorato su tutti i suoi film, sono un collaboratore storico.

Abbiamo condiviso veramente molto insieme, partendo dai suoi primi cortometraggi in cui eravamo tutti un po’ alla ricerca di una personalità.

Siamo cresciuti passo dopo passo, fino ad arrivare a grandi traguardi come Gomorra.

Raccontami di più di Gomorra. Com’è stato anche il rapporto con il lavoro del montaggio sonoro?

Gomorra sicuramente è un film con una struttura molto complessa.

Essendo un racconto di più storie che si intrecciano, questo infatti, è stato un elemento che ha reso articolata la creazione narrativa. rispetto ad un film come Dogman.

Parto da una piccola premessa, io a volte sono molto istintivo e senza tante regole matematiche.

Ma nonostante questo, ho scoperto che il montaggio ha una metrica che si avvicina molto alla musica anche quando questa non c’è, ad esempio proprio come in Gomorra.

Dove non è presente una colonna sonora, ma c’è uno scandire del tempo che ricorda gli atti di un’opera.

Solitamente quali sono i tempi di lavorazione del montaggio di un film?

Ovviamente, dipende da film. Solitamente i miei tempi vanno da due a un massimo di quattro mesi.

Ma su film ci si può lavorare all’infinito, non finisce mai, lo si può solo interrompere.

Come un po’ per la composizione musicale, credo.

Qual è il tuo approccio con il contesto musicale? E se ti capita di essere ispirato dalla musica mentre monti?

Non ho altri riferimenti musicali quando monto, se non quelli del musicista che viene scelto.

Nel mio lavoro l’ispirazione musicale cerco di evitarla, per evitare di essere influenzato ovviamente posso dare delle indicazioni e un confronto tra il regista e il musicista.

Posso dare un’indicazione un consiglio della scelta della strumentazione con strumenti ad arco piuttosto che un pianoforte.

Marco Spoletini: professione Montatore Cinematografico

Il mio rapporto con la musica è sempre di collaborazione continua tra il regista e il musicista, con cui devono sempre interagire di volta in volta nella costruzione del film, per far sì che la musica entri dentro la storia senza sovrastare le immagini, infatti, il mio intento è seguire sempre un ritmo naturale della scena.

Ci sono vari tipi di approccio, partendo da quello più classico, dove la musica parte dopo una battuta e preannuncia il motivo della sequenza, diciamo che questo è quello che amo di meno.

Invece mi piace molto, quando la musica si insinua dentro la scena in modo quasi invisibile e indisturbato, in modo che non predomini il racconto delle immagini.

Nella fase del montaggio si vede quanta collaborazione e sintonia si crea per la buona uscita di un film.

Partendo dalla sceneggiatura fino ad arrivare alla musica, occorre un continuo scambio per far sì che il contesto musicale compenetri e si unisca con le immagini in modo naturale.

Ad esempio, per il film L’imbalsamatore di Garrone insieme alla Banda Osiris si era creato un feeling perfetto.

Il cinema è una grande macchina formata da tante piccole particelle che devono andare unicamente tutte nella stessa direzione per arrivare alla creazione di un film. Cosa intendi tu per collaborazione?

Penso, che la costruzione di un film, la si deve immaginare come una serie di strati.

Strati composti da immagini che predominano, i dialoghi, i rumori, gli ambienti e tutte le atmosfere che si vanno a creare.

La musica non è nient’altro che uno di questi strati che si deve fondere con tutto il resto, senza mai dominare le scene, deve essere semplicemente uno degli strati del film.

Il tuo lavoro detta uno ritmo e dei tempi del racconto proprio come fa un musicista…

Si, quando si costruisce la sequenza di immagini bisogna seguire un ritmo.

La sequenza delle immagini ha una cadenza e un andamento ben preciso per far sì che funzioni il racconto di un film.

Marco Spoletini: professione Montatore Cinematografico

Spesso lavoro su sessioni di suoni di montaggi molto complessi.

La prima cosa che cerco di fare è riportare suoni di ambienti nel modo più naturale possibile, in modo che chi lo vede lo sente già vicino a quello che sarà il prodotto finale.

Inoltre, in un film il suono a differenza dell’immagine, anche se ricostruito in una fase di montaggio è uguale a quello che sentiamo tutti noi a differenza dell’immagine che è bidimensionale.

Credo che la cosa bella di questo lavoro non è solo la soddisfazione professionale,

ma anche il lato emotivo che si cela dietro questo tutto, composto sempre da gente diversa e piena di storie, ma soprattutto di sentimenti.

Articolo a cura di Melissa Brucculeri

Laura Gigante, le note dell’attore: “La musica per me è fondamentale, mi aiuta ad entrare in un personaggio ma anche ad uscirne.

L’attore è colui che veicola un messaggio attraverso l’arte del proprio corpo. Questa espressione implica la possibilità di rappresentare la propria specificità e diversità, in quanto portatore di un’emozione da comunicare mediante il corpo e la voce. L’arte della recitazione ha bisogno di estrema empatia e di una perfetta sincronia tra il corpo e la mente.

Nell’articolazione di un film a dare un impatto ancora più incisivo è anche il contesto sonoro. Il legame che si crea tra la musica e la messa in scena di un racconto diventa un qualcosa di magnifico.

La musica non solo espande la scena al di là del visibile, ma trasforma anche la performance dell’attore, rendendola emotivamente più intensa, sia per lui che per il pubblico.

Ho avuto il piacere di incontrare una giovane attrice, Laura Gigante. Di origini napoletane ma nata e cresciuta a Modena. Una ragazza semplice e spontanea. La sua carriera nel mondo del cinema è esordita con il film Albakiara nel 2008. Inoltre ha lavorato con tantissimi professionisti come Andrea Gagliardi, Stefano Prolli e Tommaso Agnese.

Ciao Laura, come nasce la passione per la recitazione?

Tutto è iniziato all’età di 19 anni, quando mi trasferii a Bologna per frequentare il DAMS. Un giorno andai a fare un provino, era partito tutto per guadagnare qualcosa come comparsa. Così mi ritrovai con il regista Stefano Salvati e Carlo Lucarelli a parlare della mia vita.  Rimasero molto colpiti da me e ad essere sincera anche io, non mi aspettavo di ricoprire un ruolo da protagonista. Da quel momento ha preso corpo il mio primo film Albakiara.

Raccontami dell’esperienza del film Albakiara?

Intensa! Perché molti spunti del film sono stati presi dalla mia vita. Il mio lavoro da attrice è iniziato dal primo giorno di scrittura della sceneggiatura. Dopo quasi due anni, tra le varie vicissitudini sono partite le riprese. Così mentre il film prendeva corpo, io frequentavo varie accademie a Bologna, come Bsmt e Galante Garrone. Una delle cose che mi ha emozionato di più è stata proprio la musica. Perché in quegli anni ascoltavo molto Vasco Rossi e nella maggior parte del film predominavano le sue canzoni. Infatti, il titolo del film si rifà alla sua celebre canzone Albachiara.

Dopo questo tuo primo debutto da protagonista?

Dopo Albakiara, ho intrapreso una carriera nel genere horror. Ho avuto una parte in Ubaldo Terzani Horror Show, con la regia d Gabriele Albanesi. Ho collaborato anche con i Manetti Bros. Poi ho avuto delle scene in “Poli Opposti” di Max Croci e in “Universitari” di Federico Moccia.

Nel 2005 ho interpretato una parte nel film “Mi chiamo Maya” di Tommaso Agnese. Un ruolo molto introverso e dark, insieme alla protagonista Matilda Lutz. Il mio personaggio, quello di Bea, mi ha stravolto completamente sia fuori che dentro. Avevo un look completamente diverso dal mio, mi sono dovuta rasare i capelli e cambiare colore, non mi riconoscevo più. Mi è servito molto per entrare nel ruolo di Bea ascoltare i Led Zeppelin e uno dei miei preferiti Fabri Fibra, lui mi accompagna sempre.

Tra i tuoi vari lavori sei stata anche la protagonista del videoclip di un brano di Salmo “Faraway”

Adoro la musica rap. Collaborare con Salmo e la sua crew per il video Faraway è stato pazzesco. Un’esperienza sicuramente nuova per me, ma anche la più bella in assoluto.  È stato un lavoro dove abbiamo messo tutti tanta passione. Ho avuto la possibilità, grazie ai registi, due ragazzi veramente in gamba, Niccolò Celaia e Antonio Usbergo, di improvvisare quasi sempre e di vivermi il personaggio in piena libertà. A lavoro finito ho proprio goduto nel rivederlo!

Quando studi una parte ti capita mai di utilizzare la musica per immergerti nel personaggio?

La musica per me è fondamentale. Certo, mi aiuta ad entrare in un personaggio ma anche ad uscirne. Perché sai, a volte uscire da un ruolo non è sempre facile e in questo caso la musica è un vero tocca sana. Ad esempio, dopo una dose di Fabri Fibra, per uscire dal vortice negativo ho bisogno di musica reggae. Mentre se ascolto musica malinconica, come quella del grande Pino Daniele, dopo ho bisogno di sana allegria, che non mi faccia pensare. La musica ci può condurre anche verso una profonda ed intima visione introspettiva di noi stessi. È un’energia potente che mi accompagna in ogni momento.

Articolo a cura di Melissa Brucculeri

Il regista è come un direttore d’orchestra

Saverio Di Biagio: il regista è come un direttore d’orchestra.

La musica è lo strumento che aiuta le immagini a trasmettere emozioni, a sottolineare momenti bui nei film drammatici o rafforzare delle scene per renderle “scene chiave”. La musica è dunque un racconto, non di forma visiva, ma bensì sonora. La colonna sonora non è solo un accompagnamento, ma diventa parte integrante del film stesso. Come un compositore deve dirigere la sua orchestra così anche il regista con la stessa grazia deve coordinare la grande macchina del cinema.  Queste due forme d’arte si accomunano per la loro sensibilità, perché a volte il regista riesce a cogliere e immortalare immagini che sono piene di sentimenti ed emozioni.

Per raccontare più nel profondo questo binomio vincente, ho incontrato un talentuoso e appassionato regista, Saverio Di Biagio. Da anni ormai impegnato nel mondo del cinema. È stato docente della Scuola d’Arte cinematografica G. M. Volontè. Inoltre con la sua opera prima “Qualche Nuvola” è stato in concorso alla 68th edizione del Festival di Venezia.

Come nasce la passione per questo mestiere?

Nasce da un percorso formativo. Negli anni ho provato a fare diversi studi come: architettura, lettere, scenografia e costumi. Prima di intraprendere questo lavoro, non capivo ancora bene quale forma espressiva mi intrigava di più. Poi nelle mie varie esperienze mi sono avvicinato al teatro come direttore di scena. Ho iniziato a lavorare in piccoli e medi spettacoli teatrali, fino ad arrivare a fare delle tournée più grandi, la così detta scala montagne, perché ogni giorno stavi in una città diversa, ero sempre in movimento.

Come sei passato dal teatro al cinema?

Tutto è partito da quando ho conosciuto un noto regista cinematografico, Gianfranco Mingozzi, al quale ero molto affezionato. Venne a vedere uno spettacolo dove io facevo il direttore di scena. Proprio in quel contesto, mi notò e mi disse che dovevo fare l’aiuto regista. Io rimasi sorpreso perché non sapevo neanche cosa facesse l’aiuto regista, e lui mi disse che ero un po’ come il prezzemolo, stavo bene dappertutto. Così mi propose di andare con lui su un set come aiuto regista, era il 1995.

Da lì ho iniziato a capire che il ruolo del regista era quello più affine con le mie capacità, perché combinava un po’ tutto quello che avevo studiato in precedenza.

Raccontami dei tuoi film. Come è stata anche a scelta e la creazione delle musiche?

Il mio primo lungometraggio è stato “Qualche nuvola” che ho scritto e diretto, è come un figlio per me.

Racconta un mondo che conosco bene, la periferia. Cosa vuol dire nascere in periferia, sognare di fare dei salti di classe in avanti e di essere insoddisfatti della propria estrazione sociale. Un film che fa ridere molto ma allo stesso tempo anche riflettere. Un film sentito e vero che abbiamo fatto con tanto amore.

Nel 2004, ho ricevuto la mansione speciale del Solinas nelle commedie. Dopo questa grandissima soddisfazione, ho avuto ancora più tenacia nel realizzarlo a tutti i costi. È  stata un’esperienza unica, e ringrazio anche il team con cui ho lavorato.

Per quanto riguarda il contesto musicale, ho avuto la gran fortuna di lavorare con il compositore Francesco Cerasi. Bravissimo e appassionato del suo mestiere. Con Francesco si era creata una sintonia perfetta, abbiamo parlato tanto di musica e di sentimenti. Sai, spesso dietro un’immagine ci sono emozioni scritte nell’acqua che le vede solo chi riesce a cogliere, e lui in questo è formidabile. È riuscito a supportare le immagini senza sovrastarle.

Il secondo film, “La ragazza dei miei sogni” invece è un urban fantasy. Le musiche le ha realizzate Alfonso Corace. Anche con lui è nato un bel rapporto e un ottimo scambio di idee. Tra i vari esperimenti è riuscito a rappresentare con la musica il racconto, proprio come me lo immaginavo.

Ora su cosa stai lavorando?

Sto portando avanti vari progetti. Insieme a un gruppo di giovani professionisti del cinema abbiamo istituito una società, la Woterclock, con la quale stiamo realizzando molti lavori. Inoltre sono impegnato nella creazione del mio prossimo lungometraggio. Tratta un argomento molto attuale e crudo, ma ho trovato una chiave molto poetica per raccontarlo, ma non posso dirti di più!

Il lavoro del regista e quello del compositore per alcuni aspetti si accomunano molto. Secondo te quale può essere un elemento di congiunzione tra queste due arti?

Immagini e musica è una combinazione quasi sempre perfetta. La cosa interessante è che possono coesistere insieme ma anche separatamente. Ma quando si uniscono le immagini giuste con la giusta musica si crea un’alchimia unica, che regala emozioni indescrivibili allo spettatore. Sicuramente un punto d’unione è il sentimento che si cela dietro queste due forme d’arte, forse ancor meglio la chiave è l’amore.

Articolo a cura di Melissa Brucculeri

Stefano Giambanco professionista dell’arte della scenografia, lavora da ormai più di trent’anni su set di film, fiction e pubblicità.

La funzione scenografica ha un ruolo fondamentale nel racconto di una storia. Una location significa non solo la scelta del contesto del luogo, ma si riferisce anche al tempo. Tempo inteso come luogo storico, un passato recente o remoto, il presente o un’epoca futura come nel caso della fantascienza. La scenografia ha la potenza di impreziosire e cogliere la vera essenza di un racconto, come una bella cornice con un quadro.

Nella progettazione di una scena, la bravura dello scenografo sta anche nel manipolare lo spazio e gli oggetti che ha a sua disposizione.

Questa disciplina così ampia, fluida e versatile sposa bene con molte forme d’arte, come la musica ad esempio.

Il rapporto tra musica e scenografia spesso è complementare. Con la loro unione si creano emozioni e bellezza.

L’ambientazione colma il vuoto dove le parole non riescono ad arrivare, perché le parole non arredano lo spazio.

Nell’intraprendere questo viaggio nel mondo della scenografia ho avuto il piacere di essere accompagnata da Stefano Giambanco. Professionista dell’arte della scenografia, lavora da ormai più di trent’anni su set di film, fiction e pubblicità.

Raccontami della tua professione. Come nasce la tua carriera da scenografo?

Totalmente per caso, perché non avendo potuto fare studi specifici, in quanto all’epoca mia fine anni 70 oltre all’Accademia delle Belle Arti non c’era una formazione in quest’ambito. Dopo essermi diplomato a 18 anni, mia madre non mi ha mandato all’artistico, io a quel punto ho detto e ora cosa mi invento?! Ho frequentato un liceo assurdo con un’impronta militare, dove finiti gli studi si poteva intraprendere la carriera nell’aeronautica militare. Ma non era proprio la scuola che faceva per me, infatti al secondo anno ho mollato.

E poi che è successo?

Ho deviato facendo il geometra. Mi hanno insegnato a costruire, ci stava molta pratica, infatti è stata la mia base di architettura, che mi è tornata molto utile. Sicuramente mi sarebbe piaciuto fare l’accademia delle belle arti ma ho comunque accumulato una parte tecnica molto specifica che ha fruttato nel tempo.

Non sapevo che volevo fare lo scenografo, io volevo fare l’artista, punto! Non avevo ancora le idee ben chiare.

Finiti gli studi, sono entrato per caso, in un giro di restauratori di opere d’arte, avevo 19 anni. Ho imparato il mestiere facendo molta gavetta sui ponteggi dove mettevo mani su affreschi di noti artisti che risalgono al 400’. Ho studiato sul campo, rubando con gli occhi. Ma con il passare del tempo avevo capito che ero portato per qualcosa di più dinamico.

Un giorno, una mia amica che all’epoca frequentava l’accademia d’arte drammatica, mi disse che un amico della madre, scenografo, cercava un’assistente per un film sugli antichi romani, e così mi presentai.  Rimasi folgorato da questo mestiere, e avevo capito che era il lavoro adatto a me. Mi sono lanciato senza una preparazione specifica, ma tutte le esperienze precedenti mi sono tornate utilissime.

Sei uno scenografo affermato che ha lavorato su tanti set di film e fiction, ma quale tra queste esperienze hai un ricordo anche legato alla musica?

Mi sono divertito molto sul set del film “Ogni lasciato è perso” con la regia di Piero Chiambretti. Un film assurdo, che ho amato anche da un punto di vista scenografico, dove ho dato sfogo alla creatività andando anche un po’ sopra le righe. Un racconto autobiografico di sè stesso, di quando è stato lasciato dalla sua fidanzata e lui era impazzito dal dolore.

Mi ricordo di quando facevamo i sopraluoghi. Giravamo io e lui in macchina alla ricerca delle location, mentre mi faceva da cicerone per Torino metteva sempre molta musica, essendone un grande amante. Poi ovviamente durante le riprese avevamo tutti bisogno di concentrazione quindi si cercava molto silenzio. È stata una grande esperienza.

E poi ovviamente un altro ricordo che mi ha lasciato il segno è stato sul set di “Radiofreccia” con Luciano Ligabue.

Raccontami di più di Radiofreccia. Com’è stato lavorare per un artista che veniva proprio dalla musica e non dal cinema?

Spettacolare. Pensa che prima del film non avevo mai sentito la musica di Luciano Ligabue. Ascoltavo i classici cantautori come De Gregori, ma Ligabue non l’avevo mai approfondito. Mi piaceva anche molto l’elettronica tedesca. Diciamo che avevo abbandonato la famosa chitarra dei campeggi.

In Radiofraccia ero il direttore artistico, quindi ho curato sia i costumi che la scenografia. Luciano è un personaggio incredibile, molto rocker. Mi sono affezionato perché ho passato quasi un anno insieme a lui, tra preparazione e riprese. È stato fichissimo anche entrare nel vivo nella sua vita. Un’esperienza anche a livello emotivo molto forte, incredibile! Si era creata un’atmosfera unica e indimenticabile.

Mi ricordo di quando giravamo, lui aveva prima le canzoni in testa e poi le scene. Infatti quando abbiamo letto il copione ci ha fatto sentire la colonna sonora che era già pronta.

Quando è finito ho pensato, un altro film cosi con quell’atmosfera e quell’energia di primo pelo con tutti non l’ho più provata. Ho vissuto bellissime esperienze in tantissimi altri lavori, ma così emozionante con un artista appunto che veniva dalla musica non l’ho più vissuta.

Tu suoni qualche strumento?

Si, da piccolo. Mi divertivo molto a suonare la chitarra nei campeggi, dove intrattenevo le comitive. Suonavo i classici: Battisti, De Gregori e Pino Daniele. Poi per un periodo ho iniziato a suonare anche le percussioni. Mi esibivo nei concerti del liceo, andavo a suonare al liceo artistico Giulio Romano di Roma.

Qual è secondo te un elemento essenziale per chi intraprende questo mestiere?

La cosa più importante nel mio lavoro, ma anche in tanti altri, è sicuramente la curiosità. Soprattutto per chi sceglie di prendere un percorso artistico e creativo come lo è anche nella musica. Questo credo che sia una componente fondamentale, non smettere mai di cercare e ricercare nuovi stimoli.

Articolo a cura di Melissa Brucculeri