Manupuma, nome d’arte di Emanuela Bosone, cantautrice e attrice teatrale torna con nuovo album “Cuore Leggero”, prodotto da Taketo Gohara

Nel suo percorso artistico, Manupuma si fa notare nell’edizione 2009 di Musicultura di Recanati quando, in coppia con Michele Ranauro, si aggiudica il premio per la migliore interpretazione con il progetto Manupuma and The Bulletz. Canta in jingle pubblicitari, collabora con Pacifico e apre i concerti di Joan As Police Woman.

Nel 2014 pubblica Manupuma, album d’esordio che esce per Universal, dove partecipano Roberto Dell’Era (Afterhours), Davide Rossi (Coldplay), Ferdinando Masi (Casino Royale e The Bluebeaters), Pierluigi Petris (Sorelle Marinetti), Michele Ranauro e Pacifico nel ruolo di co-autore del brano “Perdersi Perdersi”. L’album viene lanciato dai singoli “Charleston” e “Ladruncoli”, quest’ultima canzone viene usata da Moschino per il lancio della campagna mondiale della fragranza Pink Bouquet.

Durante il lockdown Manupuma, decide di utilizzare alcuni dei suoi brani inediti per progetti trasversali: canta “Nucleare” insieme a Arisa al fine di sostenere il progetto benefico della Fondazione Rava che prevede di devolvere gli introiti ai reparti maternità del Sacco e della Mangiagalli di Milano mentre “Foresta Verde” (2021) viene utilizzata come colonna sonora per una performance video tributo al femmineo.

A fine 2023 esce “Neve”, altro brano inedito che precede la pubblicazione del nuovo lavoro.

“Pioggia” (2024) fa da apripista a Cuore Leggero, il nuovo album di inediti di Manupuma che chiude il percorso iniziato nel 2019 con “Petra” e riunisce, in un unico progetto, brani pubblicati in questi ultimi anni oltre ad alcuni inediti.

Questo album ha una musicalità più ricercata, pezzi che richiedono un ascolto più attento mi danno l’impressione che tu abbia fatto delle colonne sonore. Come stai vivendo questo album?

Mi fa piacere quando dicono che le mie canzoni sembrano delle colonne sonore, perché quando scrivo sono molto visiva. Come hai notato, in questo nuovo album ci sono canzoni con giri melodici diversi, “Vorrei”, ad esempio, è molto diversa da “Polvere” dove io racconto delle storie come se fossero dei “Corti”.

Questo approccio alle canzoni nasce dalla mia esperienza con il teatro, dove ho iniziato a studiare e ho fatto parte, come attrice, di diverse compagnie.  Ho lavorato molto sul fatto che un attore deve mettere in scena un personaggio, un’atmosfera o dei paesaggi.

Questo metodo mi è rimasto e l’ho utilizzo quando scrivo testi e musica.  Agli inizi di carriera ho scritto diversi jingle per le pubblicità e questo richiedeva un metodo, scrivevo, infatti, immaginando delle scene. Uno dei miei sogni è fare musica per film.

Le canzoni del tuo precedente lavoro erano sicuramente più immediate, penso a “Charleston” o “Ladruncoli”, in questo nuovo lavoro, invece, i brani sembrano destinate a crescere nel tempo.

Il primo album che ho fatto con una major aveva un taglio pop, mentre questo secondo lavoro l’ho scritto in totale libertà e mi piacerebbe presentare con un live che mette insieme musica e teatro.  Mi piacerebbe fare rivivere dal vivo questa cosa che hai sentito tu.  Uno chiude gli occhi e si sente trasportato a Chinatown.

Nelle tue canzoni racconti il quartiere Chinatown di Milano, le atmosfere di Los Angeles e hai scritto anche una canzone “Il mio Zar”: questa tua dimensione internazionale da cosa nasce?

Io attingo molto anche dai tantissimi film che guardo. Nel testo del brano “Ladruncoli”, parlo di “culi in porcellana”, traendo ispirazione dal film “Il vizietto” del 1978. Gli immaginari mi trasmettono spunti. Non mancano anche situazioni della mia vita personale. Questo album non è immediato come ascolto, ma ho voluto fare un tetto sotto il quale mettere tante canzoni. Nel momento storico in cui viviamo, è importante tirare fuori un tuo messaggio che possa esprimere una cifra/dimensione.

In questo album c’è un’importante collaborazione con il produttore Taketo Gohara. Come è nata questa collaborazione? Come ha inciso nella produzione dell’album?

Anche lui è di Milano e ci conosciamo da quando siamo piccoli. Lui è cresciuto in questo studio, che si chiama “Le officine meccaniche”, dove collaborava con artisti come Ghali, Capossela e altri.  Quando era il momento di lavorare sulla produzione dell’album sono andata da diverse persone.  Quando Taketo ha sentito i miei provini è scoppiata una scintilla e mi ha detto “Dobbiamo sottolineare la diversità nei brani che deve diventare un valore”.  Oltre a creare tappeti sonori meravigliosi è riuscito a tirare fuori da me qualcosa di veramente speciale, mi ha capita e mi ha aiutata  prendendomi per mano: un lavoro quasi sartoriale!  Lui è molto calmo ed è stato magico stare in studio. Quando registravamo gli archi sentivo la pelle d’oca.  Ha creato un’oasi in una Milano, a volte, troppo veloce e schizofrenica.

Nelle tue canzoni non mancano i riferimenti a Milano, che tu racconti con parole romantiche. C’è anche una parte più critica e rischiosa. Questa parte più grigia come la vivi e un giorno la racconterai?

Io sono nata a Milano e vivo la città, sebbene abbia vissuto un po’ in giro. Nel mio immaginario l’ho voluta mettere nella parte romantica perché ci vivo. Ovviamente, scriverò anche della Milano più critica che mi sta entrando nella pelle.  Comunque, in “Ladruncoli” ne parlavo e anche in “Charleston”, con una marcetta un po’ scanzonata, parlo di cocaina: parlo anche con ironia   di una città che di notte è pericolosa.

È un aspetto che ho messo in forma velata, mai dichiarata. Nella mia scrittura racconto delle sensazioni senza prendere posizioni politiche.

In una precedente intervista ti sei definita “Monica Vitti” per l’ironia insita nelle tue canzoni. Cosa significa per te questo sentimento?

Nasce da come “io vivo” la vita. Anche nelle situazioni difficili della vita l’ironia mi ha salvato. Per giustificare delle situazioni o delle cose della vita, che ogni tanto è tragico comica, ho portato questo modo di essere nelle canzoni. “Vorrei” è un esempio chiaro di questa attitudine, parlo un po’ di gelosia di questo uomo di cui sono innamorata.

Quando ho un grosso dolore, e lo metto nelle canzoni, ho sempre timore che arrivi un messaggio pesante. Per questo spesso uso l’ironia anche per esprimere sentimenti più intimi. In Italia, la donna che scrive, spesso, viene considerata “pesante”: su questo aspetto siamo molto indietro. Per questo, quando scrivo, cerco di trasmettere quello che provo con un filtro.

Prima di scrivere musica, vivevi nel mondo del teatro che stai portando nelle canzoni. Raccontaci questo passaggio.

Sì, ho iniziato con il teatro. Frequentavo l’Accademia delle Belle Arti di Brera dove seguivo la scenografia e lavoravo a Milano con una compagnia teatrale che si chiamava “Anima nera”.

Successivamente, ho approfondito i miei studi con una la regista argentina “Naira Gonzalez” che mi ha seguito per un po’ di anni, che veniva dal teatro di Eugenio Barba. Lei mi ha dato un imprinting vocale “particolare”, mi faceva cantare diverse canzoni di popolazioni del mondo perché mentre cantano usano la maschera in modo diverso.

Quando sono andata a Musicultura ho portato questo modo di sperimentare, che è una caratteristica molto evidente nel secondo album, dove mi sento più me stessa.

Quando potremo vedere Manupuma in un live?

Mi sto preparando per presentare l’album che presenterò entro dicembre nelle città del nord e del centro Italia. C’è anche l’intenzione di creare un minitour per presentare l’album.

Recensione

Dalla città di Milano, irrompe sulla scena “Manupuma” che porta un sound condito di ironia, timbrica vocale travolgente e testi ricercati”. Ti fa ballare con un Charleston, e poi ti porta vicino alla stazione centrale con una marcia per farti conoscere la città, ma sa metterti in guardia. Dopo averla conosciuta, puoi sederti nel suo teatro e ascoltare con “Cuore Leggero” il suo nuovo album, dove scoprire i suoi mondi raccontati con sonorità dipinte come quadri nello spazio.

Spotify

https://open.spotify.com/artist/6cirgS09CzUh8uVSagnzBi?si=hdLeCmT3TRKuUmqoSnG5yg

Articolo a cura di Raffaele Specchia

Centherbe: “Natura docet”, la natura insegna l’importanza delle proprie origini e delle piccole cose che troppe volte l’essere umano non considera degne di attenzione

Marco Giannoni, in arte Centherbe, è un cantautore toscano, simbolo ed esponente di quella musica che continua ad esplorare il mondo senza piegarsi alle classiche regole della discografia scegliendo la verità alla superficialità. Racconta storie di vita attraverso dei testi ricchi e densi di immagini vivide in cui l’ascoltatore riesce ad immedesimarsi. Dal suo nuovo disco traspare tutto l’amore per la musica suonata, per un progetto che spazia dal pop rock energico al pop folk delicato e raffinato. 12 tracce in cui il cantante pone l’accento su temi come l’innocenza dei vent’anni e i cambiamenti sociali portati dall’avvento di Internet.

Marco benvenuto tra noi! Come hai coltivato la tua passione per la musica nella tua vita?

Parte tutto dalla forte passione per la scrittura, poi la musica è venuta di conseguenza. Ho avuto un grande stop dal 2012 al 2022 per motivi personali e impegni che non mi permettevano di fare le cose al meglio, ma comunque ho continuato a scrivere molto; nel 2022 siamo tornati con un EP di 6 canzoni, nel 2023 abbiamo pubblicato un altro EP con altri 6 brani e nel 2024 abbiamo rilasciato un album con 12 tracce all’interno. In un anno e mezzo abbiamo tirato fuori 24 canzoni, cercando di recuperare un po’ il “tempo perduto”.

Da dove viene il tuo nome d’arte?

Da piccolo andavo sempre al mare in Sardegna con i miei, prendevamo casa in affitto. Un giorno alcuni amici ci fecero assaggiare il Centherbe, c’erano 38 gradi, avevo 16 anni e ci bastò un goccio per andare un po’ su di giri. Non so perché in quel momento mi venne in mente che se un giorno avessi fatto il cantautore mi sarei voluto chiamare così.

C’è stato un artista che ti ha influenzato più di altri?

Più che influenze, io le chiamo fasi; la musica ti porta ad esplorare varie sonorità e vari stili di scrittura. Ho ascoltato Sergio Caputo, Lucio Battisti, De André, De Gregori, Dalla e via dicendo. La mia libreria è molto vasta, anche a livello internazionale.

Come descriveresti la tua penna?

Non amo giudicarmi. Cerco di lavorare sempre molto su ciò che scrivo, non mi accontento mai finché non smetto. È un po’ come un pittore che dipinge un quadro: non è che lui termina il lavoro quando finisce il quadro, lui smette di dipingere che è ben diverso.

Quanto ti senti legato alla tua terra?

Io sono mezzo sardo, mia madre viene da lì e sono molto legato a questa terra. Per quanto riguarda la Toscana, è bellissima come lo è tutta l’Italia. Io abito in campagna “per le colline”, non vivrò mai a Firenze, non mi passerà mai per l’anticamera del cervello. Ci vado da turista o da visitatore, non di più. Vivo in provincia, ti dà più possibilità di riflettere e ti fa condurre una vita più lenta e serena. Il mondo un artista se lo crea con la sua fantasia. Una volta che parte la penna ognuno crea quello che vuole.

A proposito di campagna e di collina, voglio concentrarmi sul tuo nuovo album “Natura docet”: cosa contiene all’interno?

C’è un grande rispetto per la natura intesa come madre terra, intesa come tutto ciò che ci circonda. Nell’ultima traccia che poi dà il nome all’intero progetto dico di stare molto attenti a questo inseguimento folle della novità più attuale da comprare. Mi sembra che si siano persi i punti cardinali, c’è una velocità sfrenata nel voler tutto e subito. Vedo molta aridità a livello umano e sociale.

Come mai in questo progetto ti sei concentrato molto sulla natura?

Credo molto in lei in quanto la natura è qualcosa di immarcabile per noi, è sopra gli dèi, è sopra tutto. La natura si comporta come vuole nel modo che decide, noi ci dobbiamo adeguare. Decide lei quello che siamo e ciò che faremo. Comanda tutto e ci dovrebbe insegnare nuove parole e nuovi modi. Mai mettersi contro natura.

Le 12 tracce che hai scritto potrebbero essere interpretate come un sentiero da percorrere, a me ha dato anche questa impressione. Ce n’è una tra le 12 a cui sei più legato?

Per uno come me che scrive in abbondanza, ho un legame particolare con tutte le canzoni. “La regina delle possibilità” la sento molto mia, “Helen” ha dei chiari riferimenti ad una donna con gli occhi simili alla magia del mare. Tra l’altro, nella copertina del disco c’è una torre aragonese che è il posto dove adoro andare anche adesso.

La copertina nasce da una tua idea ben precisa?

Innanzitutto, volevo ringraziare Fabio Zini, un chitarrista fantastico, che insieme a me è il produttore artistico del disco. Per la copertina lui voleva fare una sorta di collage, mi ha affidato a Roberta Cerone, che ha curato la grafica. Il prodotto finale sembra un po’ cartone animato e un po’ dipinto, con questa donna bellissima con gli occhi azzurri che fa riferimento sia ad Helen che a Calipso che emerge dal mare. Poi ci sono altri elementi come il sole, i fiori, il mare, tutti chiari riferimenti alla natura.

Quando ho ascoltato questo album ho percepito in te una voglia di anni ’90, un gusto per il vintage che sembra quasi stia tornando in voga. Cosa hanno significato per te quegli anni lì? Ti mancano?

Sì, moltissimo. Mi sembra che all’epoca ci fosse più coscienza tra le persone. C’era più etica morale a livello sociale, si viveva più serenamente, c’era una qualità di vita migliore e spensierata. Musicalmente parlando, c’era una bella scena indie fino ai primi anni 2000. Quegli anni lì sono stati in preda ad una delle rivoluzioni più grandi degli ultimi decenni: Internet. Oggi è tutto più accelerato e se torniamo al concetto sulla natura espresso precedentemente, quest’ultima ci insegna che a forza di accelerare non viviamo più.

Che rapporto hai costruito con il tuo pubblico?

Ho riiniziato ad avere un pubblico da pochissimi mesi, mi piace perché è molto eterogeneo. Una volta una signora mi mandò un messaggio su Messenger chiedendomi se il figlio, che faceva il portiere, avesse potuto usare una mia canzone per la sua tesina di quinta elementare. Ci parlai e rimanemmo entrambi super contenti e io molto soddisfatto. Ho un pubblico che va dai 20 ai 50 anni, una fascia d’età che comprende almeno due generazioni. Mi fa piacere che gente giovane che ascolta più rap si ferma ad ascoltare qualche mio brano e ne apprezza il testo.

Quando sei sul palco che emozioni provi?

Quando so che devo suonare sono felice dal primo momento che mi sveglio. Cerco sempre di divertimi, ogni concerto è una festa e va vissuta come tale. Mi piace tutto del concerto, il prima, il sound-check, andare a mangiare con i colleghi, si lavora tanto per poter vivere insieme queste giornate. Ti lascia una grande energia e ti dà carica per il futuro.

Programmi per l’avvenire?

Stiamo lavorando a dei featuring, nel mentre continuo sempre a scrivere e a buttare giù idee. Inoltre, a dicembre uscita un piccolo libro che contiene tutte le mie canzoni editate fino ad oggi, con testi e traduzioni. Si intitolerà “Centherbe e la setta del Dio sole” e all’interno, oltre ai testi, avrà appunto un racconto semi serio. Verrà presentato il primo dicembre, in un paese vicino a Lamporecchio.

Come mai hai deciso di racchiudere i tuoi testi in un libro?

Perché volevo dargli la giusta importanza e credo che dopo questo disco fosse importante fare un po’ il punto della situazione. D’altra parte, io non smetto mai di fare, non mi fermo mai, anche perché da settembre in poi si comincia a lavorare al disco nuovo.

Il tuo sogno più grande?

Poter continuare a dare tanto tempo al mio progetto.