Musica a Teatro: Monica Faggiani , ho deciso di fare l’attrice “di teatro drammatico” a quattro anni circa

Diplomata all’Accademia dei Filodrammatici di Milano, perfeziona la sua formazione con Leo De Berardinis, Federico Tiezzi, Andrea Taddei, Valter Malosti, Elio De Capitani, Peter Clough.

Lavora con molti tra i più importanti registi italiani, tra cui Sergio Maifredi, Guido De Monticelli, Marco Baliani, Antonio Latella, Franco Branciaroli e Giulio Bosetti. Per il Cinema partecipa al film Si può fare per la regia di Giulio Manfredonia e al film Genitori quasi perfetti per la regia di Laura Chiossone.

Partecipa alla fiction Cuori Rubati, alle sit-com Via verdi 49 e A.Q.A. – Attori Quarantenati Anonimi.

È tra le protagoniste della web-serie Rajel prodotta da Oltre l’orizzonte – Contro-narrazioni dai margini al centro.

Doppiatrice, dal 2009 al 2016 ha diretto la Scuola di Teatro Teatri Possibili curando la Direzione Didattica ed Organizzativa della Scuola e ideando particolari progetti formativi.

Dal 2016 al 2018 è stata Direttrice Organizzativa di Teatro Libero. Laureata in Psicologia, è diplomata come Counselor Teatrale e Councelor in Programmazione Neurolinguistica Sistemica. È tra le fondatrici e animatrici di Amleta.

Ho avuto il piacere di recitare con lei nella messa in scena di Cyrano diretta da Gianlorenzo Brambilla, in cui lei era una splendida Rossana e io interpretavo Lebret.

Partiamo con un ritratto “artistico” di Monica da piccola.

Ho deciso di fare l’attrice “di teatro drammatico” a quattro anni circa e passavo tutti i miei pomeriggi allo specchio parlando con le mie amiche e miei amici immaginari…

Gesticolavo e facevo le facce esattamente come faccio anche oggi.

Poi quando mia madre mi disse che ci saremmo trasferiti a Milano da Salerno, città che io non volevo assolutamente lasciare, lei mi promise che avrei potuto frequentare un corso di recitazione che a Salerno allora non esisteva. Fu il solo motivo per cui acconsentii.

Avevo 8 anni e da allora non ho più smesso. Ero determinata e agguerrita esattamente come oggi. Studiavo tanto, sempre, esattamente come oggi. Ed ero appassionata esattamente come oggi.

Quali spettacoli ritieni abbiano creato una svolta importante nel tuo percorso?

Se ripenso a tutto il mio trentennale percorso (oddio trentennale, che paura!) non ho dubbi: in primis Otello con la regia di Antonio Latella.

Antonio era all’inizio della sua carriera, non era ancora l’artista affermato e acclamato che è oggi ma in lui c’era già tutta la sua estrosa genialità che troviamo nei suoi spettacoli (a tal proposito segnalo Chi ha paura d Virginia Wolf al Piccolo, messa in scena incredibile!).

Io ero poco più che una bambina, appena uscita dall’Accademia, inesperta e fragile e lui mi ha preso per mano con fermezza e al contempo dolcezza e mi insegnato l’abc del lavoro sulla costruzione del personaggio che ancora oggi mi accompagna.

Poi, Questa sono io di Federico Guerri con la regia di Alessandro Castellucci.

Ho letto il suo romanzo in una notte e lì ho capito che attraverso quel personaggio e quelle parole avrei potuto raccontare esattamente quello che volevo raccontare: l’oggettivizzazione del corpo delle donne e tutto quello che giovanissime ragazze hanno dovuto affrontare per non rinunciare ai propri sogni.

Ho sempre scelto con attenzione i personaggi femminili da interpretare ma questo è stato il personaggio con cui ho aperto anche il mio modo di affrontare le scene in maniera totalmente femminista e non solo facendo teatro al femminile come si usa dire oggi ma offrendo la possibilità di un nuovo sguardo narrativo.

Hedda Gabler con la regia di Cristina Pezzoli. Ecco… con questa immensa mastra ho capito fino a dove potessi spingere le mie possibilità attoriali e ho capito, per la prima volta, che nel prestare corpo e voce al mio personaggio avrei dovuto chirurgicamente dissezionare anche la mia anima.

Hedda Gabler è un personaggio immenso ma scomodo: è cattiva, manipolatrice, arrogante, sgradevole e fragilissima. Come rendere senza filtri e senza difese tutto questo? Solo guidata dall’abile mano di Cristina ci sono riuscita e dopo questo spettacolo la mia modalità di calarmi nei personaggi non è stata più la stessa.

E quel che resta – A proposito di mobbing shocking e altre amenità. E qui entriamo in un nuovo periodo della mia vita artistica, quello in cui ho cominciato a scrivere. Questo spettacolo è il mio secondo figlio (dopo quello biologico).

Uscivo da un periodo di grande difficoltà personale e professionale e l’unica salvezza e sollievo che trovavo era quello di scrivere, di mettere a fuoco quello che mi stava accadendo.

Piano piano scrivevo e mi sentivo appagata, scrivevo e i miei amici drammaturghi (cui chiedevo consiglio) mi spronavano ad andare avanti. Io sono una persona molto ironica e soprattutto autoironica e ho capito che quella poteva essere la chiave.

E così è nato questo spettacolo che mette a nudo un difficile periodo della mia vita ma che ha fatto da specchio alle fragilità di molte e molti.

Uno spettacolo di rinascita che racconta che abbiamo dentro di noi tante risorse incredibili e nascoste che piano piano possiamo attivare. Ormai lo porto in giro da sei anni senza stancarmi mai.

E da lì ho iniziato a scrivere per me e per altri e ho affiancato in maniera continua la mia vita di attrice a quella di autrice.

Che tipo di musica ascolti? Quale in genere cerchi per “rilassarti”, quale per darti energia?

Devo dire che sono piuttosto onnivora. Amo i cantautori italiani, quelli classici, amo il rock e amo le pop star! L’opera la apprezzo ma non la amo.  Se ascolto Carole King so che mi torna il sorriso. Se ascolto Janis Joplin mi viene voglia di spaccare tutto.

Miles Davis mi mette addosso la malinconia. Tom Waits mi ricorda che avrei potuto vivere una vita perduta ma mi sono salvata. Emozioni, la musica mi attiva emozioni, e ricordi e possibilità.

Spettacoli con musica, registrata o dal vivo, che ami ricordare in particolare?

Proprio in questi giorni sono in scena con dei recital con musica dal vivo (in due bellissime case teatrali: MTM e Alta Luce Teatro).

La musica accompagna le parole e le sostiene e ne decreta l’importanza. Nella prosa classica preferisco poche musiche, ben scelte, e non dal vivo.

La musica è potente e può essere usata in modo molto manipolatoria, non faccio nomi ma diversi registi la usano per decretare cosa il pubblico dovrà provare in quel determinato momento e per me è davvero disturbante oltre che scorretto.

Io scelgo le musiche per uno spettacolo in maniera significante cioè anche la musica non induce emozioni (non solo almeno) ma racconta storie e quindi deve sostenere e raccontare insieme a me la storia che sto mettendo in scena. Una sorta di scelta analogica e narrativa.

Ora come ora preferisci lavorare in team o prediligi il monologo?

Mi piace alternare.  Adoro Mi piace raccontare le “mie” storie ma amo condividere le mie avventure teatrali con colleghe e colleghi. Mi piace sapere che non sono sola sulla scena e che quello scambio che avviene sarà unico e prezioso.

Anche quando sono sola in scena ho sempre un team che lavora con me perché l’autoreferenzialità in teatro non premia mai.

Qualcosa sulla tua attività di insegnante di scrittura teatrale autobiografica, com’è nata l’idea?

Quando ho iniziato a scrivere l’ho fatto con l’istinto e con la passione. Ma, come in tutto, ho capito che serviva anche la tecnica.  Mi sono messa a studiare. Ho seguito molteplici corsi e fatto dei percorsi privati con drammaturghi e drammaturghe che stimo.

Mi sono fatta le ossa studiando e scrivendo. E poi, visto che la mia vocazione è sempre di condivisione, mi sono detta: ma potrei trasmettere quello che ho imparato e che so fare?

E, magari presuntuosamente, mi sono risposta di sì.

L’incontro con Valentina Pescetto di Factory 32, la sua curiosità e la sua voglia di sperimentare hanno aperto la strada. Nello specifico cosa so fare meglio? Scrivere di me e della mia storia e così il corso ha messo il fuoco sulla scrittura autobiografica.

Anche se dico sempre alle mie allieve e ai miei allievi: esiste scrittura che non sia autobiografica? Io credo di no.

Due parole su Amleta…di cosa si tratta?

Amleta è una associazione di promozione sociale che combatte tutte le disparità di genere (dagli stereotipi, agli abusi, alla violenza) nel mondo dello spettacolo.

Ventotto fondatrici sparse su tutto il territorio italiano che si stanno attivando in maniera concreta su tutte queste tematiche convinte che solo insieme è possibile intraprendere un percorso di cambiamento.

A maggio, in alcuni tra i più importanti teatri milanesi e con quattro giornate conclusive al Teatro Leonardo (MTM), Amleta presenterà il suo primo Festival diffuso che vuole raccontare il suo percorso e le sue battaglie in maniera festosa e “teatrale”.

Sui social potete trovare tutte le nostre attività, seguirci e soprattutto tesserarvi per sostenerci!

Cosa stai mettendo in scena ora e cosa stai preparando?

Sono tanti i progetti che bollono in pentola.

Sicuramente quello cui tengo di più in questo momento è la mia prima stand up: anche qui in maniera autobiografica ho scritto un testo che racconta le vicissitudini di una madre attivista alle prese con il figlio maschio adolescente.

Un monologo comicissimo che con autoironia fa luce sulle contraddizioni della nostra società patriarcale in cui siamo tutte e tutti immersi e invischiati.

E poi è in corso il progetto Le Milanesi curato dall’associazione di cui faccio parte: Teatro dell’Allodola – Le Irriverenti (fondata da Valentina Ferrari, amica e collega, con cui condivido il palcoscenico da diversi anni): recital su donne che hanno reso grande Milano (abbiamo già fatto il primo incontro e proseguiremo fino a giugno): Franca Valeri, Biki, le sorelle Giussani, Marta Abba e Dina Galli.

Un format originale che MTM ha accolto con entusiasmo e che spero possa andare avanti anche nella prossima stagione.

A maggio ancora ad Alta Luce Teatro debutterò (dopo una presentazione on line) con una mia nuova drammaturgia scritta a quattro mani con un’altra cara amica e collega, Silvia Soncini: A proposito di lei.

Anche qui siamo partite da uno spunto autobiografico per raccontare un argomento spinoso: quello delle donne che odiano le donne.

E da ultimo, ma non per importanza, potevo farmi mancare una regia? Certo che no:

Stordita – Il Musical, e qui me la gioco con varie artiste e artisti che amo, ne cito due sopra tutti: Tobia Rossi alla drammaturgia, Ilaria Fioravanti unica interprete per 12 personaggi. La produzione dell’amico di sempre Paolo Scotti.

Naturalmente ancora musica dal vivo con canzoni interpretate dalla bravissima Ilaria.

Il tema? Ovviamente una carrellata di donne che danno vita ad un universo femminile sfaccettato e poliedrico ambientato durante la finalissima del più importante concorso di bellezza: Miss Italia.

Come possiamo seguirti? Link?

Mi trovate sui social (Fb e Ig) con il mio nome.

Seguitemi e scrivetemi per tutto, non solo per i complimenti!

Musica a Teatro: Ettore Nigro “All’inizio volevo fare il chimico e salvare il mondo dall’inquinamento… Ma a un certo punto seguii un laboratorio teatrale a Napoli”

Dopo aver seguito il Laboratorio teatrale al Theatre de Poche con Lucio Allocca, si è iscritto e diplomato All’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico .

Ha seguito poi vari Corsi di perfezionamento per attori professionisti: sulla commedia dell’arte, presso la Scuola del Teatro Mercadante diretta da Luca de Filippo, oltre che sul teatro di figura, e anche sulla danza butho.

Molte le sue interpretazioni a teatro, tra cui ricordo, tra le ultime, in “In casa con Claude”, per la  regia Giuseppe Bucci, presso il  teatro Galleria Toledo di Napoli (La ripresa cinematografica dello spettacolo teatrale è stato vincitore di Europeff – Best Feature, Vesuviusinternationalfilmfest – Best Feature, Best lgbt feature e Best poster, Directors screen awards – Best director, Omovies film festival – Best actor under 30 (Mario Autore).

Al  Vesuviusinternationalfilmfest  è stato miglior lungometraggio del festival, e numerose altre sono state le nomination e le selezioni ufficiali.

Poi in “Aldilaldiqua – Le maschere della Commedia dell’arte incontrano la Divina Commedia di Dante Alighieri” (in occasione del Settecentenario della morte di Dante Alighieri) da un’idea sua, con la regia di Giovanni del Prete.

In allestimento per prossima stagione teatrale;  “La cena di Capodanno” di M. Maglietta ed E. Nigro, sua regia, anche in scena come attore, in allestimento, ha partecipato al progetto di residenza del teatro Sannazaro di Napoli “Sartorie teatrali”, sotto la direzione artistica di Francesco Saponaro.

Diverse le sue esperienze in TV, in particolare in “Gomorra”, nel ruolo di Pasquale, e ne “Il commissario Ricciardi”, regia Alessandro d’Alatri, nel personaggio di Peppino il Lupo

Come hai iniziato, da piccolo? Non so…recitavi o cantavi in cameretta?

È sempre stato un grosso neo, cantare. Di sicuro costruivo cose, magari col legno. Giocavo a fare l’astronauta, il ninja, non mi attirava il teatro, non c’è stata in famiglia un’educazione teatrale, ma io giocavo molto con la fantasia.

Disegnavo, dipingevo miniature…avevo una spinta creativa che non sapevo molto incanalare.

Qualsiasi cosa doveva passare attraverso l’immagine, essendo leggermente dislessico e disgrafico. Diciamo che la prima cosa che mi emoziona molto ricordare sono le esperienze a scuola, in cui ebbi i primi approcci con i testi di Eduardo.

Mio zio era un attore amatoriale, e mi invitò a fare parte di quel mondo ma più volte gli dissi di no.

Poi mi capitò di fare l’animatore nei villaggi turistici e così ebbi occasione di fare testi di Fo, di Garinei e Giovannini, dai diciotto fino ai vent’anni.

Lì mi si accese una fiamma. Capii che volevo stare sul palco. All’inizio volevo fare il chimico e salvare il mondo dall’inquinamento…Ma a un certo punto seguii un laboratorio teatrale a Napoli…venni a sapere che si era aperto un teatrino nuovo e ci andai.

E Lucio Allocca, che vedeva lontano più di me, mi spinse subito a fare l’Accademia.

I tuoi rapporti con la musica?

Conosco la musica e la amo, anche se come ho detto non canto. Non c’è uno spettacolo mio in cui non ci sia musica scelta con cura. Ho sempre ascoltato musica, ma strumentale.

Senza le parole…Satie, Brian Eno o compositori classici, in genere, e Ligeti, che ho anche usato molto, poi ho scoperto i compositori nordeuropei, molto interessanti, che hanno un rapporto con la natura particolare.

Suono la chitarra, ho imparato a strimpellare anche per avere un rapporto con la musica fisico. Mi piacerebbe imparare a suonare il pianoforte.

Dimmi qualcosa su questi video di poesia che stai facendo

Durante gli anni di accademia ci spingevano a studiare i mezzi social, per capire se si volesse essere lì soltanto utenti o artisti attivi, insomma come si può oggi anche attraverso questi canali “influire” sul mondo.

Per anni ho insegnato. Solo che un po’ dal vivo mi scoccio. Ho scoperto che mi piace molto questa formula del video messaggio…Ho una moglie che è una scrittrice, poi ho conosciuto un bravissimo pittore e quindi ho pensato a un canale che si occupasse di poeti, scrittori, magari sconosciuti, che in questo modo avrebbero potuto avere una certa visibilità. Un canale democratico, insomma.

Mi è sempre piaciuta l’idea di unire varie arti. Quindi poesia, musica, pittura…E montaggio, che mi piace molto. Per cui ho creato questa pagina su youtube dove pubblico poesie con accompagnamento musicale e visivo grazie a quadri adeguati. Sul mio canale si possono fare richieste e dedicare le poesie a chi si voglia.

Ora ho partecipato alla creazione di un libro d’arte che si intitola Infinito, di poesie, e per ogni verso è stato fatto un quadro dal pittore Ciro Palumbo. All’interno si trova anche il video libro.

Tiratura limitatissima. Un supporto all’arte tutta davvero, credo, interessante. Altra cosa importante che farò sarà la pubblicazione di una serie di poesie, sempre con musica, piano e voce, per una Onlus che sta raccogliendo fondi per costruire ospedali in Madagascar.

Sentendo quello che racconti mi sembra che la tua idea di artista sia di influire sul fronte della positività

Direi di sì. Come volevo salvare il mondo con la chimica, agli inizi, ora mi piace l’idea di influire con l’idea di una ecologia della mente, se capisci cosa intendo. Seguo maestri di cura dell’anima. Buddisti.

Credo che gli artisti siano un po’ dei dottori, basta pensare alla cura della parola, del messaggio. Siamo dei portatori di bellezza, di saggezza.

In questo momento cos’hai di altro in progetto?

In questo momento la mia compagnia Piccola città teatro ha preso la direzione artistica del cartellone di innovazione-teatro Eduardo De Filippo di Arzano per residenze e spettacoli innovativi per compagnie prevalentemente under 35.

C’è poi un progetto per le zone di Castellammare e i prossimi lavori saranno su Aldo Moro e poi una collaborazione con Città Teatro. In questa si tratterà anche del rapporto tra cinema e teatro, nel tentativo nuovo, efficace, di ibridare i due mondi.

Come possiamo seguirti?

Potete andare alla pagina youtube Ti dedico una poesia https://www.youtube.com/channel/UCxgAEopZ5qbntxfS-TSfzCw

Oppure al sito della mia compagnia Piccola Città Teatro (piccolacittateatro.it)

Musica a Teatro: Luca Federico D’Addino Puglisi: “amo molto quando il teatro si sposta dai suoi luoghi tradizionali, la strada è un palco affascinante, che ha le sue regole e i suoi codici”

Luca Federico D’Addino Puglisi si è diplomato «attore» alla Scuola d’arte drammatica Paolo Grassi di Milano.

Laureatosi al DAMS di Imperia ha incrementato la sua formazione attoriale studiando con: Enrico Bonavera, Claudio Morganti, Vladimir Olshansky, Marise Flach, Milena Costanzo, Yasmina Reza, Carlo Boso.

Ha studiato inoltre canto con la M° Camilla Barbarito e danza con la M° Ariella Vidach.

È ballerino e insegnante di danze latino-americane.

È autore di testi teatrali e riduzioni sceniche.  E presentatore, animatore e clown.

Durante la pandemia ha fatto parte del progetto “Assemblamenti – pratiche di buon vicinato” (iniziativa artistica e politica) andando a portare spettacoli nei cortili. Lavora con il Collettivo Clown .

Ha partecipato come mimo alle opere liriche: Capuleti e Montecchi, Manon Lescault e Kafka Fragmente di G. Kurtàg

Ultimi spettacoli: Fool Blues, Il Rito Sospeso – 98 giorni, Assemblamenti Generazione Disagio,

Il Castello dei destini incrociati, Il Do e l’Imperatore, Orlando Furioso Clown .

Dal 2012 ad oggi presta la sua opera di attore per l’ente Scuole Civiche di Milano per la realizzazione di spettacoli all’interno di musei, piazze e centri storici della città, per eventi come Identità Milano e Musei a Cielo Aperto.

Com’è nata la tua passione teatrale? 

La mia passione teatrale nasce durante i miei studi al Dams. Un’amica mi spinse a fare un provino per un’opera che sarebbe andata in scena in ambito universitario. Ricordo ancora il giorno in cui aprii il testo da preparare per il provino.

Mentre imparavo a memoria le battute, mentre cercavo di recitarle nel salotto di casa mia, qualcosa dentro di me si accese, una cosa a metà tra il divertimento sfrenato e una chiamata mistica.

Superai il provino e andai in scena col Caligola di Camus. Reputo quello il mio piccolo debutto nel mondo del teatro

Hai studiato anche canto e danza. In quale spettacolo hai potuto mettere insieme queste tue abilità? 

Si tratta di uno spettacolo andato in scena al Piccolo Teatro di Milano, Storia di Qu. Interpretavo il capo dei ribelli che, per aizzare il popolo contro il governatore della regione, si metteva a cantare e a ballare sfrenatamente al centro della piazza del villaggio.

Sei insegnante di latino-americano, anche… Che musica ascolti e ti piace? 

Beh, sicuramente la musica latino-americana fa parte di me in quanto sono cresciuto con certe sonorità in corpo. E poi su tutti nominerei il cantautorato italiano, più quello vecchio che quello nuovo.

Hai fatto “mimo” in opere liriche. Cosa puoi raccontare in merito a questa esperienza? 

Fare il mimo è un’esperienza che varia molto di volta in volta. Dipende dal regista che si incontra, da quanto intende lavorare per costruire azioni sceniche con i mimi.

Quando si è più fortunati si lavora ad elaborate creazioni sceniche che ti fanno sentire a tutti gli effetti parte di un’opera d’arte. Altre volte succede che i mimi vengono relegati quasi al ruolo di comparse, il che diventa meno divertente e gratificante.

Parlami del tuo ultimo spettacolo, che ho visto, della sua genesi e della scelta di usare un musicista come “basso continuo” 

Fool Blues è uno spettacolo che nasce dalle ceneri di un altro spettacolo: Opinioni di un’ombra. Di quest’ultimo raccoglie alcuni brani poetici e il personaggio del clochard.

È poi un insieme di cose, nasce anche da un incontro fatto nella vita reale con un senzatetto di nome Mauro. E poi da tante piccole disavventure che mi sono capitate e che ho deciso di raccontare utilizzando la maschera del vagabondo, del fool.

L’incontro con Romeo Velluto, il chitarrista dello spettacolo, è nato dall’esigenza di musicare le parti poetiche del testo, avendo così la possibilità di farle emergere rispetto alle parti in prosa.

Leggo che hai interpretato testi di Fo in un particolare contesto. Vero? Ami il teatro di strada? 

Grazie all’accademia Paolo Grassi ho avuto la possibilità di conoscere il Maestro durante la ripresa del suo Mistero Buffo e di un suo testo inedito “Storia di Qu“.

Recitare un determinato repertorio, così diretto, così sapientemente costruito sul pubblico, fa sì che il tuo spettacolo possa essere anche trasferito in contesti diversi da quelli del teatro tradizionale. E così si può ritornare alla strada, alla piazza, avendo un contatto con gli spettatori più immediato.

Personalmente amo molto quando il teatro si sposta dai suoi luoghi tradizionali, La strada è un palco affascinante, che ha le sue regole e i suoi codici. Riuscire a portare il teatro in strada è un’operazione difficile ma bellissima perché ti riavvicina ad un pubblico eterogeneo, che magari non andrebbe mai a teatro, e che tu devi catturare all’istante così da trasformare dei semplici passanti in spettatori affascinati.

Musica a Teatro: Un artista che è un vero personaggio, geniale, originale, stralunato. Chi è, cos’è…e anche perché…. Ecco il nostro dialogo per conoscere meglio Foma Fomic!

Parlami dei tuoi inizi e delle tue difficoltà.

Iniziai a scrivere canzoni intorno agli 8 anni, e subito mi scontrai con la mia totale incapacità e pigrizia. Dimostrai sin dall’inizio di avere scarso orecchio musicale. Cantavo male. Eppure, io volevo solo scrivere canzoni e cantarle a tutti. Di più: volevo iscrivermi al conservatorio, come le mie compagne di classe. Ovviamente mi fu sconsigliato.

Troppa matematica nella musica, mi dicevano. E io con la matematica avevo dei seri problemi. A dieci anni scrissi una decina di canzoni in pochi giorni, nel tentativo di imitare i cantautori che ascoltavano i miei fratelli – tra cui Gaber, Bennato, Battiato, Alice, Baglioni e Barbarossa – e le registrai su una musicassetta accompagnandomi con una chitarra classica di non so chi, usando quasi solamente la mano destra perché non conoscevo nessun accordo tranne il Mi minore e pochi altri che mi ero inventato io.

Intitolai l’album “Sei un uovo“. Disegnai un uovo sulla copertina e lo feci subito ascoltare a mia sorella che si ribaltò dalle risate. Poi, tornato a Milano, lo feci ascoltare anche al mio amico e vicino di casa Filippo Solibello, il quale anni dopo divenne una star di Radio Popolare e poi di Radio2. All’epoca fu magnanimo nel non prendermi troppo in giro.

Ma la mia più grande ispirazione fu Marcello Pardieri (in arte Ugo Pard), grande amico e cantautore con cui tutt’ora ho il piacere di collaborare ed esibirmi dal vivo, autore anche di un brano (“E difficilmente poi“) che ho voluto inserire nel mio ultimo spettacolo “Foma Fomic nello Spazio“.

Ad ogni modo, convinsi i miei amici a formare una band, ma tutti rinunciarono quasi subito, visto che nessuno di noi sapeva suonare niente. All’epoca scrissi una canzone di cui mi vergogno ancora oggi, si chiamava “Pazzo ma no“.

I ragazzi più grandi del quartiere mi chiedevano di cantarla per il puro gusto di deridermi, perché l’interpretazione prevedeva una mimica facciale davvero folle. In quel periodo, intorno ai 13 anni, mi divertivo a cambiare i testi delle canzoni di Claudio Baglioni, convinto che queste mie trovate per me brillanti potessero in qualche modo convincere i miei amici a riprendere in mano mestoli, pentole rubate alle madri e mezze chitarre sgangherate per proseguire con il mio progetto della band.

Erano gli anni delle cassette pirata di Elio e le Storie Tese e degli Skiantos. Io sognavo di poter formare una band così: irriverente e divertente, senza compromessi. Con le parolacce. Poi, una sera, al termine dell’ennesima lezione inconcludente di pianoforte, decisi di imparare a suonare la chitarra elettrica.

Pensavo alla chitarra e alla musica giorno e notte in quel periodo. Avevo circa 15 anni ed ero talmente magro da sembrare malato. Negli anni successivi formai altre band e iniziai ad esibirmi con frequenza in tutte le feste scolastiche che mi capitavano a tiro. Non ero né un bravo chitarrista né un bravo cantante.

Allora, come puntualmente accade in questi casi, passai al basso e, finite le scuole superiori, mi trasferii a Londra dove suonai per anni in un promettente gruppo brit-pop che poi ovviamente non ebbe il minimo successo e si sciolse.

Questi i miei primi stentati passi nel mondo della musica e dello spettacolo. Poi tutto peggiorò ulteriormente.

Il ruolo di un artista oggi, secondo te?

Secondo me un artista oggi ha il difficile compito di rappresentare sul palcoscenico la vita senza i suoi “effetti collaterali”. È un ruolo difficile perché gli “effetti collaterali” della vita se li deve generosamente sobbarcare l’artista stesso, principalmente attraverso le difficoltà che incontra nel produrre arte.

La rappresentazione della vita senza i suoi “effetti collaterali” è il più grande dono che mi può capitare di ricevere da un artista quando vado a vedere uno spettacolo, così spero che chi viene a vedere i miei possa ricevere a ogni replica questo mio piccolo regalo. È una cosa faticosa e meravigliosa al tempo stesso e forse l’unica che sono in grado di donare a un altro essere umano.

Il tuo è cabaret? Teatro canzone?

Non è cabaret, anche se sicuramente ci sono delle influenze che provengono da quel mondo nei miei spettacoli. Probabilmente il genere che faccio si avvicina al Teatro Canzone, ma dipende molto dallo spettacolo: ad esempio mi capita spesso di fare concerti più tradizionali, con la band e con l’aiuto di tanti amici musicisti davvero eccezionali.

Lo spettacolo che sto portando in giro ora con Giacomo Fava e Rubynia Reubens – “Foma Fomic nello Spazio” – credo sia tecnicamente definibile come “commedia musicale”, a giudicare dalle pratiche SIAE che abbiamo compilato per il deposito dell’opera. Ossia uno spettacolo di teatro leggero che prevede l’utilizzo di canzoni cantate dal vivo a intervallare una drammaturgia che tratta temi inerenti alle canzoni stesse.

Si distacca, anche se non di molto, dal concetto del Teatro Canzone gaberiano, avvicinandosi in punta di piedi e in maniera molto molto minimale a ciò che viene definito “musical”. Tuttavia, confesso di non essere molto bravo con le definizioni dei generi. Ho sempre preferito i sottogeneri.

Passo il tempo a inventarmi nuovi sottogeneri con il solo vile scopo di propormi come artista di punta di un qualche sottogenere da me inventato, come ad esempio il nautico-romantico o il romantico-epistolare.

O il gastro-nautico-romantico, sottogenere che ho inventato per sbarcare il lunario durante EXPO 2015, senza peraltro riuscirci minimamente. È un mio vecchio tormentone, non riesco a fare a meno di parlarne ogni volta che mi si presenta l’occasione.

I tuoi riferimenti?

I miei riferimenti sono gli stessi di quando avevo 8 anni purtroppo. Forse è per questo che mi sento così spaventosamente fuori moda e fuori luogo. Gaber, Bennato, Battiato. Ma anche Elio, gli Skiantos, gli Squallor.

Oltre che il grande Marcello Pardieri di cui ho già accennato prima e il mio cantautore milanese in attività preferito che è Flavio Pirini, con cui ho avuto l’onore di dividere il palco in svariate occasioni.

In più credo di essere stato molto influenzato dagli ultimi album dei Beatles, anche se temo che non si percepisca affatto.

Che tipo di musica ascolti?

Recentemente ho venduto tutti i miei cd, salvandone un centinaio: sono rimasti i grandi classici del rock anglosassone, il glam rock e l’heavy metal americano anni 80 e 90, i cantautori italiani e qualche disco brit-pop anni 90.

In realtà amo e ascolto la radio per la maggior parte del tempo, quindi di fatto tutto e niente. Faccio un po’ fatica con i generi contemporanei e con la musica nera. Più in generale tollero quasi tutto tranne la tecno più estrema e il latino-americano.

Vado a periodi. Ho rivalutato molto gli Suede, i Blur e i Motley Crue. E anche Zucchero.

I tuoi ultimi spettacoli? Genesi e altri artisti coinvolti?

Come già accennato, l’ultimo spettacolo “Foma Fomic nello Spazio” è stato scritto con Giacomo Fava e portato in scena con Rubynia Reubens e ci sta dando molte soddisfazioni, tra cui un secondo posto al Nolo Fringe Festival lo scorso settembre.

Subito prima dell’impazzare della pandemia avevo scritto con Giulia Gennaro (che ha curato anche la regia) e portato in scena con Marina Ladduca (cantante strepitosa oltre che bravissima attrice) “Tanto poi si muore“, una commedia musicale sull’ipocondria e sulla paura della malattia e della morte.

Abbiamo fatto giusto in tempo a fare due repliche a fine gennaio del 2020. Addirittura, veniva nominato il termine “quarantena”, giusto per far capire quanto avessimo menato sfiga. Fu un successo.

Lo riproporremo presto. Fino al 2019 ho avuto anche il grande piacere di portare in scena sia a Milano che a Piacenza “Che poi ci si affanna” con la bravissima attrice e poetessa Liliana Palumbo, uno spettacolo che parla d’amore in maniera del tutto irriverente.

Prima ancora avevo scritto e portato sul palco diversi spettacoli accompagnato dalla band, cosa che faccio tutt’ora ogni volta che le condizioni lo permettono.

D’obbligo citare il mio storico batterista Stefano Tedesco, celebre nel nostro giro per la sua oggettiva bellezza oltre che bravura; colui che si è quasi sempre occupato degli arrangiamenti, delle registrazioni e delle produzioni degli album targati Foma Fomic: il grande maestro e bassista Stefano Mora; il chitarrista Grigo, che è anche un bravissimo cantautore e paroliere; la già citata Marina Ladduca, spesso in veste di corista, così come anche Letizia Martines e Monica Cadenini; Samuele Rampani, anch’egli bravissimo chitarrista e cantautore con il quale ho il piacere di collaborare da sempre; l’ultimo album, intitolato “Complichiamoci la vita“, registrato nel 2020 e attualmente scaricabile solo su Bandcamp, è stato curato dal grande chitarrista e produttore Luca Verde, con la preziosa collaborazione di Gabriele Bruno.

Insomma, queste innumerevoli collaborazioni hanno fatto sì che il progetto Foma Fomic divenisse con gli anni una specie di collettivo artistico e multidisciplinare di cui sono molto orgoglioso, soprattutto perché le persone con cui collaboro si divertono, si conoscono tra loro, hanno piacere a stare insieme, a passare del tempo con me per preparare gli show e poi salire su un palco, piccolo o grande che sia.

Ovviamente il Covid ha portato molte difficoltà e divisioni, ma personalmente preferisco sempre, nel limite del possibile, coinvolgere anche oggi altri artisti in ogni progetto che ho in mente e in ogni concerto che ho da allestire. Dispiace solo aver senz’altro dimenticato qualcuno nell’elenco qui sopra.

Cosa hai in programma per il futuro?

Mi sto dedicando a un nuovo spettacolo con Giacomo Fava e Rubynia Reubens. Come successe per “Foma nello spazio“, per la preparazione di questo spettacolo (che, molto probabilmente si chiamerà “Lo sbarco in Lombardia”) stiamo lavorando tra Milano e Genova, questa volta dando vita a una specie di parodia della Storia dal 1945 alla fine della Guerra Fredda (Guerra Tiepida, nel nostro caso). Penso che sarà molto surreale e divertente.

In più ho intenzione di continuare per tutta la stagione con il “Foma Furla Show” ogni giovedì sera presso il meraviglioso pub Maga Furla, in Bicocca: spettacoli informali in cui presento le mie canzoni, sperimento nuovi monologhi e, soprattutto, invito ospiti tra i più disparati. Anzi, se qualcuno volesse partecipare mi scriva in privato, ci sarà da divertirsi.

Tra le tante altre cose in cantiere, segnalo anche uno spettacolo che porterò in scena con tutti i miei amici pianisti e che ho intenzione di intitolare “Vacci Piano Foma Fomic“.

Più in generale, spero vivamente di tornare a performare quanto facevo fino all’inizio del 2020: questo è il mio vero obiettivo per il prossimo futuro. Una via di mezzo tra la sopravvivenza e la sopravvivenza, diciamo.

Come possiamo seguire la tua attività?

Foma Fomic: su tutti i social network. Oppure sull’incredibile fomico sito web: fomafomic.wordpress.com. Potete ovviamente vedere video ufficiali o chicche meno ufficiali sul canale Foma Fomic di YouTube.

In alternativa potete venire a trovarmi di persona il giovedì sera al Maga Furla. O, se proprio proprio, anche scovarmi su Tinder.

Perché questo tuo nome d’arte?

È il nome di un personaggio a dir poco grottesco di un romanzo incredibile di Dostoevskij, “Il villaggio di Stapancikovo e i suoi abitanti”.

Nel novembre del 2019, per Milano Music Week, ho portato in scena uno spettacolo intitolato “La vera storia di Foma Fomic“, in cui sono riuscito ad approfondire la questione dell’origine di questo nome d’arte, scomodando mostri sacri della letteratura come Leonardo Sciascia e andando a scovare – grazie alla preziosa segnalazione del mio amico Carlo Catturini – addirittura un’opera del pittore toscano Mino Maccari intitolata “Leonardo Sciascia presenta Foma Fomic a Voltaire & Voltaire presenta Leonardo Sciascia a Foma Fomic“.

Quello spettacolo fu impreziosito dalla presenza della consueta sezione ritmica composta dai maestri Mora e Tedesco e dalla magnetica performance di Elena C. Patacchini (scrittrice, drammaturga e co-autrice di ben tre testi di canzoni fomiche), che interpretò un monologo tratto da “Sogno di un uomo ridicolo” di Dostoevskij, per l’appunto.

Nonostante la sonorità del nome Foma Fomic mi sembrò da subito molto accattivante, si rivelò ben presto una scelta non proprio azzeccata, perché nessuno se lo ricorda mai e soprattutto nessuno ha idea di come pronunciarlo correttamente. Ormai mi accontento di qualsiasi pronuncia. Foma Fomick è un lusso. Arrivo ad accettare anche Foma FoNick. Sentitevi liberi, insomma…